Sleep no more

Dice Plensa que Shakes­peare, y muy especialmente su obra escocesa, Macbeth le ha obsesionado durante años. De hecho, en muchas de sus primeras esculturas se puede leer Sleep no more. La frase hace referencia a las terribles consecuencias, al angustioso sentimiento de culpa que arrastrará ­a Macbeth tras matar al rey de Escocia, Dun­can, del que era fiel vasallo. Su conciencia le impedirá conciliar el sueño nunca más.

En 2007 Plensa ilustró con 52 dibujos toda la obra para teatro de Shakespeare, por encargo de la editorial Galaxia Gutemberg-Círculo de Lectores– y cuando el Liceu le invitó a debutar como director de escena operístico no tuvo duda sobre la obra con la que se estrenaría en la dirección: Macbeth de Verdi.

Macbeth se  representa en estos días en el Gran Teatro Liceu de Barcelona

Bomarzo

Joven caballero en su estudio. 1480-1556, obra de Lorenzo Lotto 

Los jardines de Bomarzo, en los que Manuel Mújica Lainez se inspiró para dar vida a su novela, Bomarzo (1967), se encuentran situados en la provincia italiana de Viterbo, a un centenar de kilómetros de Roma, y su creador, el auténtico duque Pier Francesco Orsini II , los realizó en los alrededores de su castillo en memoria de su difunta esposa Julia Farnesio. Reciben estos  jardines también, el nombre de Parque de los Monstruos o Bosque Sagrado, y están llenos de gigantescas figuras talladas en la piedra  propia de la orografía del lugar; son figuras marcadas por la desproporción, máscaras gigantes, bocas que son grutas, animales imaginarios... Estos jardines, largamente olvidados, se revalorizaron a principios del siglo XX con la llegada de turistas famosos tales como Salvador Dalí y por el interés que suscitaron entre los artistas surrealistas. En la estela de este descubrimiento llegaría la visita de Mújica Lainez y tras ella el interés que suscitó en él los personajes que pudieron habitar esa realidad, de ahí nació, Bomarzo

Esta fascinante novela relata la atormentada vida, del hipotético duque, Pier Francesco Orsini, Duque de Bomarzo, miembro de la Casa Orsini, una de las familias  más importantes y poderosas de Italia durante la Edad Media y el Renacimiento y entre cuyos parientes figuraban papas, señores de la guerra, artistas y distinguidos cortesanos.  
La vida y aventuras del atroz y extravagante duque de Orsini, sus incontables hazañas y desgracias, constituyen el gran mural en el que Manuel Mujica Lainez despliega una visión lúcida y objetiva de los manejos de la política y del poder de la Italia del siglo XVI, un laberinto de traiciones y violencias alimentan esta obra, donde Pier Francesco Orsini,  sueña con la inmortalidad, pero la traición lo aguarda en el filtro que debía de hacerlo inmortal y muere envenenado.

La ópera en dos actos y quince cuadros con música del compositor argentino Alberto Ginastera y libreto del propio Mujica Lainez basado en su novela homónima, se estrenó en el Listern Auditorium de la ciudad de Washington en mayo de 1967. Con motivo de ese estreno, el genral Onganía, entonces presidente de la República Argentina, firmó un decreto por el que se designaba a Manuel Mujica Lainez y a Alberto Ginastera ministros plenipotenciarios debido a la importancia que revestía la ópera como difusión de la cultura argentina. Pese a los honores diplomáticos de entonces y a la triunfal representación en el Lincoln Center de Nueva York, en 1968 un decreto oficial prohibió su representación en el Teatro Colón de Buenos Aires, por considerarla inmoral.

Una verdadera tormenta se declaró en Buenos Aires contra la censura oficial; las protestas de las Academias instituciones culturales y personalidades del mundo intelectual se multiplicaron, aunque también hubo voces que aplaudieron la medida represiva. La aparición  de la novela  Bomarzo había tenido una repercusión comparable a la que marcó Rayuela de Julio Cortazar, pero la mayor repercusión llegó con el escándalo suscitado por la prohibición como ópera, pero autorizarse libremente la difusión de la novela. Mujica Lainez llegó a la conclusión de que lo que los censores argentinos consideraron inmoral era sin duda, la música.

Bomarzo tuvo que esperar la caída del gobierno del Presidente, General Onganía (1966-1970), para poder ser estrenada en el Teatro Colón el 29 de abril de 1972, con el mismo elenco que la interpretó en Estados Unidos y bajo la dirección de Antonio Tauriello.

La música de Ginstera es deslumbrante, toda la ópera alcanza una intensidad que no decae en ningún momento, gracias a la estrategia  compositiva del maestro Ginastera, que la organizó en dos actos, divididos en quince cuadros independientes pero simétricos, unidos por catorce interludios instrumentales. 

Una extraordinaria representación que se ha podido disfrutar en la temporada 2016/17 del Teatro Real en Madrid, en coproducción con De Nationale Opera de Ámsterdam.

ópera suicida, Werther

Las posibilidades dramáticas del suicidio han sido recogidas por la literatura de todos los tiempos. La música, en especial la ópera tampoco ha sido inmune a él.

Jules Massenett (18842-1912), compone Werther en 1892 a partir de la gran novela escrita por  Goethe (1749-1832). Esta novela, una de las primeras en género epistolar, publicada en una primera versión anónima en 1774 y en una segunda en 1787, significó un gran acontecimiento y una revolución del genero novelesco moderno, ejerciendo una gran influencia en la literatura y en las artes en general, de las que la música detenta un lugar especial. 

Siendo importante su influencia en el arte, la novela supuso sobretodo un revulsivo en el seno de la sociedad culta y de una manera especial en círculos de la juventud burguesa del momento. Jóvenes ociosos aceptaron la figura, formas y estilo del protagonista, que se dice desató entre ellos una ola de suicidios, por lo que fue perseguida y prohibida en varios países europeos.

Cuando Massenet compuso esta bella ópera, muchos otros músicos y dramaturgos ya se habían inspirado en ella, algunos dando un giro radical a la historia, pero él, respetó la generalidad de la obra, concentrando algunos episodios, y obviando otros, pero manteniendo el desenlace fatal.

https://www.youtube.com/watch?v=PzKhikZ4oVEE

https://www.liceubarcelona.cat/es/temporada-2016-2017/opera/werther

Imagen: Suicidio de Werther, grabado sobre madera.

MÚSICA EN LA COCINA

Víctor Fernández-Pinedo. Música en la Cocina, de Jesús E. Duque, es un libro que rinde un sencillo homenaje y un sentido recuerdo a una persona que se fue demasiado pronto, y parte de cuyo legado recuperamos en forma de amenas y cariñosas anécdotas.

No se trata de un recetario al uso, ni tampoco de una biografía, ni un glosario de óperas destacadas, aunque tiene un poco de cada cosa.

Víctor, melómano, médico, cocinero y ciclista, dejó una intensa huella en todos los que le conocieron.

http://www.editorialcuestiondebelleza.com/musica-en-la-cocina/

WRITTEN ON SKIN

Written on skin
Ópera en tres partes.
Compositor George Benjamin
Texto de Martin Crimp basado en el rozó anónimo del siglo XIII Guillem de Cabestran-Le coeur mandé.  

Título de indudables resonancias eróticas al tiempo que una alusión a la miniaturas realizadas en pergamino, demuestra que escribir nuevas óperas sigue siendo no solo posible, sino también necesario.
Partiendo de una leyenda medieval, y sin renunciar a esos orígenes, muy presentes en la duplicidad cronológica de la obra, Martin Crimp y George Benjamin, han creado una obra compleja, polémica, perturbadora e 
inequívocamente contemporánea.

Las voces cantan suavemente y sin embargo sus líneas pueden escucharse con toda claridad, y lo consigue con una orquestación de filigrana, despojada de cualquier elemento innecesario. Crump y Benjamin, recurren a la técnica de la autonarración, lo que hace que los personajes se erijan frecuentemente en relatores en tercera persona de sus propios hechos. 

La Mahler Chamber Orchestra, fundada en 1997 con el propósito de ser un conjunto de proyección internacional, está formada por cuarenta y cinco músicos de talento excepcional y veinte nacionalidades diferentes, que  dirigidos por el propio compositor George Benjamin, acompañaron a Christopher Purves en el papel de Protector, Barbara Hannigan como Agnes, Tim Mead Primer ángel, Victoria Simmons, Segundo ángel y Marie, y Robert Murray Tercel ángel y John.

Fuentes del texto:Programa Teatro Real de Madrid, a 17 de marzo de 2016


Imagen: Ilustración Beato de Osma.

erase una vez, un sultán

Qabus bin Said,(1940) Sultán de Omán. Decimocuarto descendiente de la dinastía reinante de la familia Albusai, hijo del monarca Said bin Taimur.

Qabus terminó sus estudios de bachillerato en Gran Bretaña, en el colegio privado Suffolk y en 1960 ingresó en la Academia Militar Británica de Sandhurst. Al término de sus estudios castrenses fue destinado en un regimiento escocés en la República Federal de Alemania y como heredero de la corona viajó  por toda Europa y America del Norte.

Al regresar al Sultanato y a consecuencia de su crítica y enfrentamiento a la política de su padre, es recluido en el   palacio de Salalah, donde se le obliga el estudio del Corán. Después de seis años, en los que gracias a su madre y a los programas de la BBC no deja de estar al tanto de los acontecimientos mundiales, en 1970 y tras un golpe de Estado apoyado por el propio Qabus, el padre es obligado a abdicar en favor de su hijo. Así Qabus accede al trono a los 29 años e inicia un proceso de modernización total del sultanato. Su padre muere en Londres en 1972.

En 1976 se casa con Kamilah, heredera de su tío Tareqsin Taimur, pero se divorcia sin tener descendencia.

En 1980 firma un tratado militar con EE UU y en 1990 logra un acuerdo con la República Democrática Popular del Yemén para poner final al contencioso sobre la demarcación de las fronteras. En 1985 celebra en todo el país el decimoquinto aniversario de su designación en el poder.

Desde sus cargos de Primer Ministro y ministro de Asuntos Exteriores, Defensa y Finanzas, ha sido y es el gran artífice de la modernización de Omán, que goza de  una renta per cápita de 7000 dólares y un PIB de 6440 millones de dólares. Otros sectores en los que se pone de manifiesto su actuación son la Educación, donde se ha pasado de 900 plazas escolares a 165.000, y la Sanidad de 12 camas hospitalarias a 1750.

Fotografías: pfp. Edificio de la ópera de Muscat. El sultan Qabus, gran aficionado a la ópera, ordena  en 2001 la construcción de este lujoso edificio, que refleja como ninguno, la arquitectura omaní contemporánea. Adornado de magníficos jardines, alberga una gran sala de representación  para 1.110 espectadores, equipada con la más alta tecnología, sala ce conciertos, y una gran galería con lujosas tiendas y restaurantes. Fue inaugurada en octubre de 2011 con una representación de Turandot, dirigida por Plácido Domingo.

Agrippina

Agrippina, ópera de juventud de Georg Friedrich Haendel. Estrenada con gran éxito en Venecia en 1709, escrita a finales de su estancia en Italia, y con un gran libreto de Vicenzo Grimani
La ópera utiliza un argumento basado en un episodio de la historia de Roma. La protagonista, Agrippina, casada con el emperador Claudio, vive obsesionada por conseguir que el esposo nombre a Nerone, hijo suyo de un anterior matrimonio, heredero del trono imperial.
Las intrigas implican  a dos poderosos libertos de Claudio, Narciso y Pallante, y a la ambiciosa y atractiva Poppea. 
Agrippina y Poppea, verdaderas protagonistas del drama derrochan rivalidad, 
astucia y maldad para conseguir sus fines. 

"En ese pequeño teatro de locuras humanas, la ambición la concupiscencia y la hipocresía, dos mujeres se llevan la mejor parte: La astuta Agrippina y la voluptuosa Poppea, dúo de prime donne que se disputan el dominio del juego; ambas rivalizan con armas vocales iguales aunque disponen de ventajas psicológicas bien distintas. De su batalla campal por hombres interpuestos, la virilidad de los héroes masculinos no sale poco lastimada: simples peones en el tablero, primero de una y luego de la otra, mercenarios, dóciles perritos, mártires o bobalicones, son todos -y cada cual a su modo- títeres miopes, impotentes y manipulables. Tras la contienda política y los desencuentros amorosos, la cuestión más importante de Agrippina es tal vez, por encima de todo, una historia de rivalidad femenina."

Virginie Schaffer-Kasriel  (L´Avant Scène Opéra, nº 216)


Agrippina, está siendo representada en el Gran Teatro del Liceu de Barcelona, con gran éxito de voces y orquesta, y una extraordinaria dirección de escena de David McVicar. Coproducción del Teatro Royal de la Monnaie (Bruselas)y Teatro des Champs Elysées (Paris)


Fotografía: pfp

Woyzeck

Woyzeck se escribió a finales de 1830 partiendo de un suceso acaecido en 1824: la ejecución pública en la Marketplatz de Leipzig de Johann Christian Woyzeck, antiguo soldado que había acuchillado a su mujer tres años atrás. Su autor Georg Büchner fue un médico naturalista fundador de una sociedad para los Derechos del Hombre de tendencia anarcocomunista (lo que le costó su exilio a Suiza) y hermano de Luise Büchner, pionera del sufragismo en Alemania. Woyzeck se publicó en folletón en la Neue Freie Presse de Viena en mayo de 1875 convirtiéndose de inmediato en el símbolo vivo de las vanguardias estéticas y políticas.
La pieza teatral que dio origen a la ópera es un conjunto de veintisiete escenas desordenadas y habilmente sintetizadas en quince, por el compositor Alban Berg, responsable de música y libreto. El título de la obra, Wozzeck, difiere del verdadero por una errata en la primera edición.
La ópera se estrenó en la Staatsoper Unter den Linden de Berlín el 14 de diciembre de 1925, contó de inmediato con defensores entusiastas y detractores acérrimos y pronto se instaló en los principales teatros alemanes hasta su prohibición por el nazismo.
Fue una novedad musical absoluta, obra que sintetiza como ninguna otra el espíritu de su tiempo, considerada como un auténtico drama musical en el sentido wagneriano del término.


La música de Berg, nos introduce sin piedad y con fuerza inaudita, en la historia de Wozzeck, un ser débil, alucinado, maltratado por una sociedad injusta, feroz, que embrutece al hombre y lo convierte en un ser irracional, violento,... el hombre aturdido, animalizado, el hombre, sin consuelo, sin alternativas, el hombre sin esperanza...


¿Pero no vivimos acaso un permanente estado
de violencia?, como hemos nacido y nos hemos
criado en el calabozo, no nos damos cuenta ya
de que estamos metidos en el agujero con las
manos y los pies atados y con una mordaza en la boca.

Georg Büchner
(carta del 5 de abril de 1833) 

Obra que está siendo representada en el Teatro Real de Madrid, Temporada 2012-2013



Fotografía: Acto de Amor, 1915. obra de Egon Schiele

Neptuno, peligroso e inestable, ataca Grecia

¡Qué nuevo terror¡
¡Qué bronco rugido¡
el furor de los dioses
ha enfurecido el mar.
¡Piedad, Neptuno¡
¡Qué odio, qué ira
nos muestra Neptuno¡
El  cielo se ha enojado,
¿cual es nuestra culpa?
¿quién es el culpable?

Idomeneo re di Creta, Libreto de Gianbatttista Varesco, basado en un texto de Antoine Danchet para la ópera de igual nombre de Wolfgang Amadeus Mozart.

Fotografía: Neptuno, obra de  Agnolo Bronzino (1725), Museo de Los Angeles, California

Strauss, Hofmannsthal, Kiefer y Elektra juntos en el Real

La fuerza plástica, escribe  Hofmannsthal, tiene sus raíces en la justicia. Dar forma al fluir de la vida parece, pues, una exigencia moral y contribuye al orden del mundo, a ese equilibrio de las cosas que subsiste, según pensaban los griegos, cuando a cada cual se le da lo que le corresponde y cada cual respeta la medida que le ha sido asignada.

Claudio Magris, "La herrumbre de los signos"

Elektra, psicodrama en un único acto, estrenado en la Hofoper de Dresde el 25 de Enero de 1909, es una reelaboración moderna de el mito de la Antigüedad escrita  por Hugo von Hofmannsthal, que actualizó Sófocles de forma radical, y donde se manifiestan estados psíquicos extremos; el odio de Elektra, las pesadillas de Clitemnestra su madre, el miedo de Crisotemis, la venganza a manos de Orestes,... todo un palacio traumatizado por la muerte violenta de Agamenón.
Richard Strauss traduce musicalmente los personajes con un elevado tempo dramático que lleva las disonancias a los límites de la tonalidad, alternándolos con un lirismo sin límites, despertando  los espectros de la conciencia para que nos conmuevan con sus cantos.
Elektra es la primera escenografía operística de Anselm Kiefer, en ella ha dispuesto una especie de anfiteatro compuesto por contenedores de cemento dispuestos según la forma ascendente de una mástaba invertida, de esta manera se forma un tosco y opresivo escenario en el centro, alrededor los espectadores pueden tener la sensación de estar sentados sobre altos graderíos.

Fotografía: obra de Anselm Kiefer.

bomarzo

Bomarzo, ópera en dos actos y quince cuadros con música del compositor argentino Alberto Ginastera y libreto de Manuel Mujica Lainez basado en su novela homónima .
La ópera se estrenó en el Listern Auditorium de la ciudad de Washington en mayo de 1967. Con motivo de ese estreno, el genral Onganía, entonces presidente de la República Argentina, firmó un deccreto por el que se designaba a Manuel Mujica Lainez y a Alberto Ginastera ministros plenipotenciarios debido a la importancia que revestía la ópera como difusión de la cultura argentina. Pese a los honores diplomáticos de entonces y a la triunfal presentación en el Lincoln Center de Nueva York en 1968, un deccreto oficial prohibió su representación en el Teatro Colón de Buenos Aires, por considerarla inmoral...??? ¡¡¡
Una verdadera tormenta se declaró en Buenos Aires contra la censura oficial; las protestas de las Academias instituciones culturales y personalidades del mundo intelectual se multiplicaron, aunque también hubo voces que aplaudieron la medida represiva. La aparición  de la novela  Bomarzo había tenido una repercusión comparable a la que marcó Rayuela de Julio Cortazar, pero la mayor repercusión llegó con el escándalo suscitado por la prohibición como ópera, pero autorizarse libremente la difusión de la novela. Mujica Lainez llegó a la conclusión de que lo que los censores argentinos consideraron inmoral era sin duda, la música.
Bomarzo tuvo que esperar la caída del gobierno del Presidente, General Onganía (1966-1970), para poder ser estrenada en el Teatro Colón el 29 de abril de 1972, con el mismo elenco que la interpretó en Estados Unidos y bajo la dirección de Antonio Tauriello.

http://www.youtube.com/watch?v=cn2bLVc9Nvw


Fotografía: Jardín de Bomarzo

Parsifal

¡CURADO SEAS, SALVADO
Y PERDONADO¡
PUES AHORA YO CELEBRARÉ
TU OFICIO.
¡BENDITO SEA TU SUFRIMIENTO,
QUE HA DADO A ESTE
LOCO TEMEROSO
LA ALTÍSIMA FUERZA
DE LA COMPASIÓN,
EL PODER
DEL MÁS PURO CONOCIMIENTO. ( Parsifal acto III)

El relato de una de las leyendas del Santo Grial inspiró a Wagner una ópera de significado imperecedero. Wagner definió esta obra como “festival escénico sagrado”, máximo exponente de la idea de redención que impregna toda su obra.

Parsifal está siendo representada estos días en el Gran Teatro del Liceu de Barcelona. http://www.liceubarcelona.cat/

Fotografía: Obra de Anselm Kiefer, Las nornas 1983. 4205 x 2805 x 60 . Entre 198o y 1983, Kiefer revisa las imágenes de la arquitectura monumental Hitleriana, utilizando y trasformando fotografías antiguas y planos arquitectónicos. En este trabajo concretamente, utiliza la estructura abovedada para contener la presencia invisible de las Nornas, las tres figuras del destino en la mitología germánica, pasado, presente y futuro. Sus nombres están rayados en el techo, mientras que por debajo un fuego ardiente simbolizan la salvación y la regeneración. Esta obra refleja la fascinación del artista por el folklore nórdico y los motivos wagnerianos, y sus intentos de reconciliar la historia reciente de su país, a través de los mitos de la leyenda germánica.

Anna Bolena

Mi señora y amiga: yo y mi corazón nos ponemos en vuestras manos, rogándoos que los consideréis merecedores de vuestra favorable acogida , y que vuestro afecto por ellos no decrezca por la ausencia. Pues sería una gran lástima aumentar su dolor, pues la ausencia así lo hace en modo suficiente , y más que nunca he estimado acertado atraer a nuestra memoria una cuestión astronómica, siendo ésta que cuanto más largos los días, más lejos se encuentra el sol y, sin embargo más ardiente. Lo mismo ocurre con nuestro amor, pues por la ausencia estamos separados, aunque pese a todo mantiene su fervor, al menos por mi parte, y espero que también por la vuestra: os aseguro que por lo que respecta a mi persona, el pesar causado por la ausencia es ya excesivo para mí. Y cuando pienso en lo mucho más que deberé sufrir todavía, creo que me resultaría prácticamente imposible de soportar a no ser por la firme esperanza que conservo , y puesto que no puedo estar con vos en persona, os hago llegar lo que pueda guardar un mayor parecido, siendo ello mi retrato en un brazalete , con el emblema completo que vos conocéis. Deseando que sea yo quien ocupe su lugar cuando así os plazca. De vuestro leal servidor y amigo.

Enrrique VIII

Carta a Anna Bolena.(guardada en la Biblioteca Vaticana, sin fechar)

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Anna Bolena, tragedia lírica en dos actos. Libreto de Felice Romani. Música de Gaetano Donizetti (1797-1848)

Temporada de ópera del Gran Teatro del Liceu Barcelona, 2010-2011

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Fotografía: Enrrique VIII de Inglaterra. Obra de Hans Holbein.

la tragedia de nacer

Ifigenia:

Anoche volví a ver el palacio paterno

A punto de arrojarme en brazos de mi padre,

en tal dulces momentos tenía ya olvidados

sus rigores de antaño y quince años de dolor.

Tembló bajo mis pies la tierra

Airado, el sol huyó de aquel lugar odioso

¡ Brilla el fuego en los aires y el rayo cae con ruido

incendiando el palacio que consumen las llamas ¡

De entre ruinas humeantes

brota una queja tierna

que se me mete dentro, me llega a los más hondo.

Vuelo hacia ese gemido...

y en el acto vislumbro

ante mi a mi padre,

ensangrentado, herido; de la rabia asesina

de un espectro inhumano

va huyendo.

¡Y era mi propia madre ese espectro espantoso¡

Me arma con una espada y se esfuma de súbito.

Quiero huir, mas me gritan : "¡Quieta ahí ¡es Orestes¡".

Diviso a un desdichado y le tiendo la mano.

Pretendo socorrerlo. ¡Una fuerza funesta

obligaba a mi brazo a atravesarle el pecho¡

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Primer acto:

Iphigénie en Tauride.

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Tragedia lírica en cuatro actos de Christoph Willibald Gluck. Libreto de Nicolas-Fronçois Guillard basado en las tragedias homonimas de Claude Guymond de La Touche (1757) y Eurípides (c 412)

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Estrenada en París, en 1779 diez años antes de la Revolución francesa, Gluck lleva a la práctica con esta obra sobria y elegante, los nuevos conceptos sobre el drama musical, impregnados por las corrientes del pensamiento ilustrado de Diderot, Rousseau y Voltaire, que revolucionaría totalmente el género operístico.

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Actualmente se representa en El Teatro Real de Madrid . Dirección musical Thomas Hengelbrock, dirección de escena Robert Carsen

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Fotografía: pfp

the Turn of the Screw

The turn of the screw, (La vuelta de tuerca), tercera ópera de cámara compuesta por Benjamín Britten para el English Opera Group, fue estrenada en la Fenice de Venecia en 1954. Basada en una novela de Henry James cuyo fin era crear una "atmósfera del mal" y cuya interpretación final se deja al lector.

Britten y Myfanwy Piper potenciaron aún más en la música y el libreto la ambigüedad entre fantasía y realidad. A la incertidumbre del contenido le corresponde paradojicamente una construcción formal muy rigurosa: ocho pequeñas escenas en cada uno de los dos actos, unidas mediante interludios instrumentales a modo de Variaciones de intensidad creciente, cuyo Tema es la primera escena. Cada una de las Variaciones refleja una nueva vuelta de tuerca musical en una vorágine psicoterrorifica de consecuencias imprevisibles.

La partitura, interpretada por una reducida orquesta de trece músicos reproduce una atmósfera espectral y acompaña las voces de los inclasificables protagonistas dándoles un matiz espectral, sobrenatural, a cada uno ellos.

Fuente del texto: Programa de mano. Teatro Real, Madrid

...

Fotografía: obra de Arthur Haden

Mahagonny

Kurt Weill y Bertolt Brecht escribieron la ópera Mahagonny entre los años 1927 y 1929, en el contexto de la gigantesca crisis económica de la Alemania de entreguerras, con sus cifras astronómicas de inflación, su explosiva inestabilidad social, política y económica y sus terribles bolsas de miseria material y moral, que dieron como posterior resultado el ascenso y triunfo del nazismo.

Mahagonny es una ciudad improvisada que surge de la nada, sin intención de que nadie eche raices en ella, el único objetivo de sus siniestros fundadores, es absorver hasta el último céntimo de los visitantes que acudan a ella con el sólo propósito de divertirse, y practicar todas las depravaciones y vicios, siempre y cuando se tenga dinero para pagarlos. Así en Mahagonny sólo hay un delito: la carencia de dinero, las deudas, que se castigan con la muerte.


Acto I

Escena 1ª

Leocadia Begbick a sus compinches Fatty y Moses;

Bueno, pues entonces nos quedaremos aquí.
Se me ha ocurrido una idéa: si no podemos llegar hasta ahí arriba
¿porque no nos quedamos aquí abajo? Mirad, todo el que vuelve
de los campos auríferos dice que cribar el oro de esos ríos es una vida de asco.
Hay que deslomarse a trabajar, y nosotros no estamos hechos para eso.
Pero he visto a esos tipos y dejadme que os diga que,
si llegan a conseguir alguna vez oro
¡acaban desperdiciándolo¡ ¡Es mucho más facil sacar oro a los hombres que a los ríos¡
Así que también podríamos construir aquí una ciudad¡
y la llamaremos Mahagonny
que significa: Tela de araña

...

Temporada 2010-2011 Teatro Real, Madrid.

Fotografía: Suicidio, obra de Georg Grosz 1916

Carmen de Córdoba (1917-1920)

Julio Romero de Torres - Córdoba 1874-1930-

Como escribe en su ensayo Fco. Zueras Torrens, las características principales de su obra están repletas de contenido y profuso estudio de cada elemento presente en el cuadro. Así, éstas se pueden resumir en:

"Simbolismo - Precisión de forma y dibujo- Luz suave en ropajes y carnes - Extraña luz de escenarios - Poética artificiosidad de escenarios - Dominio de la morbidez - Capacidad enorme para representar la figura humana - Paisajes que refuerzan el simbolismo - Paisajes donde la realidad se convierte en alegoría - Paisajes listos para ser degustados por el alma "sin detenerse en la superficie coriácea de las cosas - Paisajes desmaterializados para su última vivencia con el espectador"

...

Carmen de Bizet

La España tópica, es el escenario que Georges Bizet (París 1838-1875) eligió para Carmen, su ópera póstuma, basada en una breve historia de Próspero Mérimée, con libreto de Henry Meilhac y Ludovic Halévy.
El estreno de esta obra tuvo lugar en la Opera Cómica de París, el 3 de marzo de 1875, fue un éxito, a pesar de que se haya difundido la falsa idea de su relativo fracaso. Fueron treinta y siete las representaciones que siguieron al estreno.
Carmen pertenece a "La Opera Comique" francesa tradicional, en la cual, arias y coros están entrelazados con diálogos hablados; un rasgo similar puede ser encontrado en los "singspiels" alemanes. Para la primera producción vienesa en octubre de 1875, meses después del fallecimiento del autor, un amigo de este, Ernest Guiraud, reemplaza los diálogos por recitativos y suprime parte del texto, incluso altera la instrumentación e interpola un ballet, dando a la ópera un giro hacia "La Gran Opera" con su gran peso emocional. Sin embargo, esta transformación no desbancó a la versión original y hasta el día de hoy ambas siguen en vigencia.

Fotografía: Carmen de Córdoba 1917-1920. Obra de Julio Romero de Torres

Eugenio Onieguin

ACTO III

Cuadro 6

Escena 2

Salón en una rica mansión de San Petersburgo. Los invitados bailan una polonesa y después vuelven a sus sitios, formando pequeños grupos y charlando.

El Principe Gremin dirigiéndose a Eugenio Onieguin:

¡El amor nos inflama a cualquier edad¡

es saludable tanto para el joven

que apenas comienza a descubrir el mundo

como para el hombre maduro

de pelo canoso

y endurecido por la vida.

Onieguin, amo a Tatiana

con el ardor de la juventud

¡Mi existencia discurría con tristeza

antes de que ella apareciera

como un rayo de sol apartando los nubarrones,

dándome felicidad, iluminando mis días¡

En este mundo de criaturas consentidas

de estúpida frivolidad:

en un ambiente de seres tristes y ridículos

prestos a juzgar con malevolencia;

de bigotes atildados

de sirvientes taimados

en un mundo de falsedad

e hipócritas engaños

de bajas calumnias,

de inquietudes estériles

de irritantes vanidades,

y de sórdidos cálculos

¡ella refulge como una estrella

por la noche en un cielo despejado

y se me muestra rodeada

por un radiante coro de ángeles¡

El amor nos inflama a cualquier edad¡

es saludable tanto para el joven

que apenas comienza a descubrir el mundo

como para el hombre maduro

de pelo canoso

y endurecido por la vida.

Onieguin, amo a Tatiana

con el ardor de la juventud...

¡Mi existencia discurría con tristeza

antes de que ella apareciera

como un rayo de sol apartando los nubarrones,

dándome felicidad, iluminando mis días¡

Eugenio Onieguin

Piotr Ilich Chaikovski (1840-1893)

Libreto del compositor y Konstantin S. Shilovski, basado en la novela homónima de Aleksandr Pushkin .

Fotografía: Ilustración de la portada del programa para el Teatro Real por Eduardo Arroyo.

Bruges-la-morte. Die tote Stadt.

CUADRO SEGUNDO

Se levanta el telón . La escena en principio se halla cubierta de densos velos, entre los cuales, en primer plano, podemos ver a Paul en la misma posición que al final del Cuadro Primero. Al mismo tiempo se oye fuera de escena la voz de la aparición de Marie, repitiendo sus últimas palabras: "Mira y comprende...". El cuadro se vuelve progresivamente pálido hasta desaparecer del todo. Después de un interludio que traduce las impresiones que suscita Brujas, la ciudad muerta, en el ánimo de Paul, los velos se levantan poco a poco y por entre la oscuridad y los contorno brumosos, aparecen el siguiente decorado: un vacío y solitario muelle de Brujas, entrada la tarde. Paralelo a la rampa, el brazo de un canal atraviesa bajo un puente bajo y arqueado . Al otro lado del canal y del puente se ve el muelle opuesto, con las características casitas de Brujas, entre las cuales se encuentra un antiguo convento de negras paredes y con ventanas protegidas por rejas en forma de cruz. En el centro del sombrío edificio, un campanario con un reloj, cuya esfera de momento no es del todo visible; por debajo del reloj hay unas aberturas en la torre por las que, más tarde aparecerán y desaparecerán los personajes del reloj. En el lado cercano del canal, a la izquierda, está la casa aislada de Marietta; la puerta está cerrada. Bancos y faroles de gas encendidos. A la derecha, viejos árboles, detrás de los cuales se adivina el camino que lleva a la iglesia. El cielo está cubierto; el claro de luna alterna con la niebla otoñal. Toques de campanas.

Texto: descripción de una representación, de la escena del segundo cuadro de la ópera "Die tote Stadt"

Ópera en tres actos. Libreto de Julius y Erich Wolfgang Korngold, firmado con el pseudónimo de Paul Schott, basado en la novela Bruges-la-morte de Georges Rodenbach. Música de Erich Wolfgang Korngold. (Representada estos días en el Teatro Real de Madrid. http://www.teatro-real.es/ )

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Fotografía: Miss Elsie Palmer. Obra de John Singer Sargent

pikovaia Dama

Hermann:

¡No tengáis miedo¡

¡Por el amor de Dios, no tengáis miedo¡

¡No voy haceros ningún daño¡

He venido a suplicaros

que me concedáis

una merced.

(La condesa sigue mirándole inexpresivamente.)

¡Podéis hacer la felicidad de toda una vida¡

¡Y no os costará nada¡

Vos conocéis tres cartas...

(La condesa se yergue.)

¿Para quién guardáis vuestro secreto?

(Hermann se arrodilla.)

Si alguna vez habéis conocido el amor,

si recordáis el ardor y la exaltación de la juventud,

si habéis sonreído alguna vez ante la ternura

de un niño, si acaso palpita un corazon

en vuestro pecho, ¡os suplico,

por los sentimientos de esposa, amante y madre,

por lo más sagrado del mundo,

que me reveléis el secreto¡

¿Para qué os puede servir?

¿quizá va unido a un terrible pecado?

¿a la pérdida de vuestra salvación?

¿a un pacto diabólico? Pensadlo bien.

Sois vieja, no os queda mucha vida

y yo estoy dispuesto a cargar sobre mis espaldas

vuestro pecado. ¡Confiad en mí¡ ¡Hablad¡

(La condesa se yergue totalmente y mira a Hermann con mirada amenazadora)

¡Vieja bruja¡ ¡Os obligaré a responder¡

(Hermann saca su pistola. La condesa sacude la cabeza, levanta los brazos para protegerse y cae muerta.)

¡Basta de niñerías¡

¿queréis decirme las tres cartas? ¿Sí o no?

Está muerta. Se cumplió la predicción

y no conozco el secreto...

(Se queda petrificado.)

¡Muerta¡ ¡Muerta¡ ¡y no conozco su secreto¡

Pikovaia Dama (La Dama de Picas)

Ópera de Piotr I. Txaikovski

Libreto de Modest I. Txaikovski, basado en la obra de Alexandre S. Puskin

Fotografía: obra de Sigmar Polke. La peluca. Acrílico sobre tela de poliester. 290x290 cm. Colección Raschdorf, Dusseldorf. (clikar para ver en detalle)