sábado, 29 de julio de 2017

ELEVACIÓN de Baudelaire




Por encima de Lagos, de valles y praderas,
de montañas, de bosques, de nubes y de mares!
por más allá del sol, de rutas estelares,
más allá del confín de remotas esferas,

¡Oh tú, espíritu mío!, te mueves ágilmente
como el buen nadador se mece en libertad
surcando alegremente la azul inmensidad,
una indecible dicha gozando virilmente.

Evádete muy lejos de enfermizos miasmas,
sube a precipitarte al aire superior
y bebe como un puro y divino licor
el claro fuego que ahuyenta los fantasmas.

Después de los hastíos y de las hondas penas
que abruman con su peso la existencia dudosa,
feliz aquel a quien un ala vigorosa
lanza hacia las regiones radiantes y serenas. 

Tú que, al igual que alondras, elevas tus ideas
y el cielo matinal en un vuelo saludas,
comprendes sin esfuerzo, sobre las cosas feas,
El habla de las flores y de las cosas mudas


Las flores del mal.  Ch. Baudelaire 

Traducción, Ángel Lázaro

Imagen: Las flores del mal. Libro de artista pfp


miércoles, 19 de julio de 2017

CIUDADANOS





CIUDADANOS

Mi tiempo fue más frío
Los caminos helados conducían 
antes del alba unas calladas sombras
a las sucias ventanas de las fábricas.
Desde dentro de mi, aquellas sombras 
que al mundo ensordecieron con su canto
lo miran todo aunque no entienden nada.
Contemplan, opulenta, una miseria
que ni siquiera sabe que es miseria.
Es el final de un sueño.
Lo que hoy toca es hacer democrático el arte.
Ningún árbol más alto.
Espantosamente ricos,
y por esto, espantosamente pobres.

Joan Margarit (traducción  Joan Margarit)



Imagen: pfp

martes, 18 de julio de 2017

Lee Lozano




Imagen: (Sin título 1962) obra de, Lee Lozano, nacida Lenore Knaster (Newark, 1930-1999).  Pintora, una de las figuras más radicales de la escena neoyorquina en los reivindicativos y antibélicos años sesenta del siglo XX. Desarrolló esta artista una obra drásticamente provocadora cuestionando con ella, todas y cada una de las estructuras políticas y sociales de la sociedad norteamericana.

El museo Reina Sofía de Madrid, expone la obra de Lozano como una noticia fresca, en la que dan cumplida cuenta, de la crítica y del radical desencanto con la que la artista analizaba la sociedad norteamericana. Lozano, renunció muy pronto a formar parte del mercado del arte neoyorkino, dando  fin a su meteórica carrera y apartándose para siempre de la escena artística y creativa.


Forzar la máquina. Lee Lozano. Museo Reina Sofía Madrid. Hasta el 25 de septiembre.


http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/lee-lozano

domingo, 2 de julio de 2017

Arroyo





Oleo de Eduardo Arroyo, El día que conocí a mi primer amor (162x130).  Arroyo retrata en esta pintura al joven minero Jean Pierre Antinori que fallece junto a dieciséis compañeros en la explosión de la mina de la localidad francesa de Fouquières-lès-Lens, ocurrida el 6 de febrero de 1970. La difusión pública de la catástrofe en esa pequeña localidad minera del norte de Francia, sin que los hechos fueran esclarecidos, originó un movimiento de protesta ciudadana en la que participaron un grupo de diecisiete artistas, que se trasladan al lugar para obtener información directa de los mineros y sus familias. Posteriormente este grupo de artistas, como colectivo, editaron un álbum de serigrafías y realizaron dieciséis cuadros, que fueron expuestos en la XXII edición del Salon de la Jeune Peinture celebrada en París en 1971. Los miembros de este colectivo denominado Réalité quotidienne de travailleurs de la mine (Realidad cotidiana de los trabajadores de la mina) pintan a partir del álbum fotográfico de la viuda del joven minero Antinori, del que Arroyo extrajo el cliché para su retrato del minero y su esposa. El título de esta obra se encuentra extraído de una anotación que aparecía en la foto original, que Arroyo elimina, al igual que el fondo que aparece en la misma fotografía, transformado en la pintura en negro, cuyo claroscuro potencia la iluminación centrada en las manos entrelazadas de la pareja. La narración de Arroyo por medio de este retrato convierte la pintura en una crítica de las condiciones labores, testimonio y documento sobre este colectivo de trabajadores, los mineros, cuya temática es reiterada por Arroyo en diversas pinturas y dibujos.

Arroyo asciende estos días al Olimpo del arte de la Costa Azul. 
La Fundación Maeght http://www.fondation-maeght.com dedica una antológica al español donde sólo antes cuatro compatriotas suyos expusieron: Picasso, Miró, Tapies y Barceló. 
1 de julio al 19 de noviembre de 2017





lunes, 26 de junio de 2017

todavía


A ocho años de su muerte, !todavía el rey del pop!

Imagen:  Michael Jackson. Obra de Jeff Koons

martes, 20 de junio de 2017

Jiro Yoshihara



calor denso
lento 
de alta graduación 

se esperan tormentas
secas
ciegas

asesinas

pfp

ilustración: Jiro Yoshimane, pintor japonés  (Osaka 1905- Ashiya 1972)

domingo, 11 de junio de 2017

Han Kang




-yo no lo sabía. Yo creía que los árboles estaban de pie.
derechos... Ahora lo sé. ¡Se sostienen al revés con las manos
en el suelo! ¡Ven, mira! ¿No es asombroso? - dijo Yeonghye 
levantándose de un salto y señalando la ventana- ¡Todos!
¡Todos están cabeza abajo!

Han Kang

LA VEGETARIANA. Editorial: Rata_ 2017

Fotografia: nido de mirlos en la hiedra de mi terraza. pfp

miércoles, 24 de mayo de 2017

Farewell


Como Shane,  el hombre de los valles perdidos,
que tenía los ojos azules y cantaba viejas baladas del Oeste,
como Shane, que tenía dos pistolas nacaradas
y la alegría de la inmortalidad en sus pupilas,
como Shane, que hablaba de lejanas praderas y bosques, de osos
   y serpientes de cascabel,
de puertos y tifones y sirenas
y del Buque Fantasma,
y era joven como el agua y como ella reflejaba la luna cambiante
   y amarilla de abril,
y era joven como el amor y sus mariposas encendidas,
y era joven como la tristeza,
y tenía los ojos azules y dos pistolas en su canana,
como Shane el luminoso,
joven como la luz,
como Shane y sus valles perdidos bajo las temblorosas estrellas...

Farewell

De "Extraña Fruta y otros poemas" 1969
Primera y última poesía.

PERE GIMFERRER


Ilustración: Pentagrama. Para los Amores de Zappa pfp



viernes, 19 de mayo de 2017

Basquiat



Una obra de Jean-Michel Basquiat,  puso broche final a la semana de subastas de arte contemporáneo en la sala Sotheby´s de Nueva York, al pagarse 110,5 millones de dólares (cerca de 99 millones de euros) por el lienzo sin título. Un precio récord para un artista de origen americano, que de esta manera entra en el exclusivo club que integran Andy Warhol, Barnett Newman, Jasper Johns, Francis Bacon, Roy Lichtenstein, Jackson Pollock, Willem de Kooning y Pablo Picasso.

El cuadro -sin título- de Basquiat, fechado en 1982, es una obra de gran formato (1,83 x 1,73). La creó con 21 años, en el momento más importante de su carrera como artista. Sotheby´s informó  que el nuevo dueño, es el coleccionista y empresario japonés Yusaku Maezawa, (fundador de la compañía de comercio electrónico Start Today y del portal ZOZOTOWN). La intención del magnate es que el lienzo se exponga en el museo que quiere crear en su ciudad natal, Chiba. Maezawa.

El coleccionista tiene intención de prestarla a museos de todo el mundo para que el público pueda experimentar la “emoción” y la “gratitud” que siente por el arte. “Espero que genere tanta alegría a los demás como a mí”, añade. El empresario japonés espera, además, que esta obra maestra “inspire a generaciones futuras”.


Jean-Michel Basquiat nació en el barrio neoyorquino de Brooklyn, de padre haitiano y de madre portorriqueña. No llegó a cumplir los 28 años de edad cuando en la cumbre de su éxito, falleció por sobredosis en NY en el distrito de Manhattan.

lunes, 8 de mayo de 2017

Bomarzo


Joven caballero en su estudio. 1480-1556, obra de Lorenzo Lotto 


Los jardines de Bomarzo, en los que Manuel Mújica Lainez se inspiró para dar vida a su novela, Bomarzo (1967), se encuentran situados en la provincia italiana de Viterbo, a un centenar de kilómetros de Roma, y su creador, el auténtico duque Pier Francesco Orsini II , los realizó en los alrededores de su castillo en memoria de su difunta esposa Julia Farnesio. Reciben estos  jardines también, el nombre de Parque de los Monstruos o Bosque Sagrado, y están llenos de gigantescas figuras talladas en la piedra  propia de la orografía del lugar; son figuras marcadas por la desproporción, máscaras gigantes, bocas que son grutas, animales imaginarios... Estos jardines, largamente olvidados, se revalorizaron a principios del siglo XX con la llegada de turistas famosos tales como Salvador Dalí y por el interés que suscitaron entre los artistas surrealistas. En la estela de este descubrimiento llegaría la visita de Mújica Lainez y tras ella el interés que suscitó en él los personajes que pudieron habitar esa realidad, de ahí nació, Bomarzo

Esta fascinante novela relata la atormentada vida, del hipotético duque, Pier Francesco Orsini, Duque de Bomarzo, miembro de la Casa Orsini, una de las familias  más importantes y poderosas de Italia durante la Edad Media y el Renacimiento y entre cuyos parientes figuraban papas, señores de la guerra, artistas y distinguidos cortesanos.  
La vida y aventuras del atroz y extravagante duque de Orsini, sus incontables hazañas y desgracias, constituyen el gran mural en el que Manuel Mujica Lainez despliega una visión lúcida y objetiva de los manejos de la política y del poder de la Italia del siglo XVI, un laberinto de traiciones y violencias alimentan esta obra, donde Pier Francesco Orsini,  sueña con la inmortalidad, pero la traición lo aguarda en el filtro que debía de hacerlo inmortal y muere envenenado.

La ópera en dos actos y quince cuadros con música del compositor argentino Alberto Ginastera y libreto del propio Mujica Lainez basado en su novela homónima, se estrenó en el Listern Auditorium de la ciudad de Washington en mayo de 1967. Con motivo de ese estreno, el genral Onganía, entonces presidente de la República Argentina, firmó un decreto por el que se designaba a Manuel Mujica Lainez y a Alberto Ginastera ministros plenipotenciarios debido a la importancia que revestía la ópera como difusión de la cultura argentina. Pese a los honores diplomáticos de entonces y a la triunfal representación en el Lincoln Center de Nueva York, en 1968 un decreto oficial prohibió su representación en el Teatro Colón de Buenos Aires, por considerarla inmoral.

Una verdadera tormenta se declaró en Buenos Aires contra la censura oficial; las protestas de las Academias instituciones culturales y personalidades del mundo intelectual se multiplicaron, aunque también hubo voces que aplaudieron la medida represiva. La aparición  de la novela  Bomarzo había tenido una repercusión comparable a la que marcó Rayuela de Julio Cortazar, pero la mayor repercusión llegó con el escándalo suscitado por la prohibición como ópera, pero autorizarse libremente la difusión de la novela. Mujica Lainez llegó a la conclusión de que lo que los censores argentinos consideraron inmoral era sin duda, la música.

Bomarzo tuvo que esperar la caída del gobierno del Presidente, General Onganía (1966-1970), para poder ser estrenada en el Teatro Colón el 29 de abril de 1972, con el mismo elenco que la interpretó en Estados Unidos y bajo la dirección de Antonio Tauriello.

La música de Ginstera es deslumbrante, toda la ópera alcanza una intensidad que no decae en ningún momento, gracias a la estrategia  compositiva del maestro Ginastera, que la organizó en dos actos, divididos en quince cuadros independientes pero simétricos, unidos por catorce interludios instrumentales. 

Una extraordinaria representación que se ha podido disfrutar en la temporada 2016/17 del Teatro Real en Madrid, en coproducción con De Nationale Opera de Ámsterdam.

sábado, 29 de abril de 2017

Lyonel Feininger



Aunque Lyonel Feininger (1871-1956), nació en Nueva York, sus padres, músicos  de origen alemán, quisieron que se trasladara a Hamburgo para completar su formación cuando solo tenía dieciséis años. Esta doble pertenencia, americana y alemana, marcaría tanto su obra como su vida. 
En Alemania, Feininger decidió dedicarse al arte iniciándose en un género incipiente: la tira cómica. Sus dibujos satíricos y sus viñetas no tardaron en ser publicados en revistas alemanas y francesas. En 1906 poco antes de mudarse a París, firmó un contrato con el Chicago Sunday Tribune, para el que Feininger creó The Kin-der-Kids (Los niños KIn-der) y Wee Willie Winkie´s Word, (El mundo del pequeño Willie Winkie), tiras que se cuentan entre las manifestaciones más tempranas del cómic universal.


 

El hombre blanco, 1907 
              
Feininger, fue dejando de lado la caricatura para volcarse, de forma natural y progresiva en la pintura. Aunque en sus primeros cuadros mantuvo un vinculo con la caricatura, centrándose  en escenas callejeras y personajes exagerados. Entre 1906 y 1908 trabajó en una línea más abstracta,adoptando un lenguaje basado en las líneas rectas y los planos fragmentados de color, una suerte de cubismo expresionista figurativo que se convertiría en una de sus marcas originales.


Church of Heiligenhafen 1922

En 1919, Walter Gropius le invita a formar parte de la Bauhaus, junto con Klee, Kandinsky y otros artistas. Su trabajo se centró en dirigir el taller de grabado, del que Feininger fue maestro hasta su cierre en 1932 por las autoridades nacionalsocialistas. Su trabajo en la Bauhaus le hizo desarrollar en profundidad la técnica del grabado en madera, lo cual le permitió ahondar también pictóricamente en el juego de planos. Con la llegada del nazismo, su arte fue tachado de degenerado y en 1937 decide regresar a Estados Unidos donde vivió hasta su muerte en 1956.


Casas parisinas, grabado en madera a la fibra sobre papel 1919

Lyonel Feininger, es una "retrospectiva concentrada" de la trayectoria del artista con casi cuatrocientas obras y documentos, procedentes de diversas colecciones públicas y privadas de Europa y Estados Unidos, que desde el 17 de Febrero al 28 de Mayo se exhibe en las salas de la Fundación Juan March, en Madrid.

Fuente del texto: Fundación Juan March
 

viernes, 7 de abril de 2017

río Schumann





Robert Schumann, alma romántica.

Todos los ríos nos conducen al mismo Mar



Imagen:pfp


miércoles, 5 de abril de 2017

Thames Water








El conjunto de libros de artista, titulados río Thames Water Atlas creados individualmente por Marc Quinn, son objetos escultóricos desplegados como pantallas independientes; cada libro es de aproximadamente cuatro metros de largo, igualmente, cuando se contraen, puede ser vistos concentrados como un libro. Cada uno de los cuatro libros es único y tiene su origen en los últimos trabajos del artista, basados en la exploración de Marc Quinn sobre la relación humana y la naturaleza.
Río Thames Water | Marc Quinn. Sala de exposiciones Ivorypress. Madrid
22 febrero 2017 a 13 mayo 2017

Imágenes: Obra de Marc Quinn (Londres, Reino Unido, 1964).

martes, 21 de marzo de 2017

Daniel Lergon





A diferencia de la pintura realizada según las técnicas clásicas, que se aplica con una paleta de colores sobre una base neutra, este creador alemán emplea una superficie de tela de diferentes cualidades ópticas y físicas.

En el caso de la aplicación de laca y barnices transparentes sobre tejido retrorreflectante, la reflexión y la refracción de la luz producen un amplio abanico de efectos lumínicos que cambian dependiendo de la posición del espectador y en consecuencia, se produce una transformación de la imagen inducida alterándose su percepción.

Con él festejamos la entrada de la primavera y la clorofila. ¡Que sea muy feliz para tod@s! 

Imagen:Cold Fire, 2008, obra del artista Daniel Lergon (Bonn 1978).  




miércoles, 15 de marzo de 2017

del caos...




“Todas mis obras surgen de una forma un poco caótica y es entonces cuando comienza el proceso creativo y me empeño en buscar el equilibrio. Trato de ponerle un orden pero, casi siempre, lo vuelvo a desordenar. Construcción y destrucción son dos constantes en mi trabajo, me gusta que siempre estén presentes” 

Enrique Brinkmann 

Brinkmann expone estos días una muestra con óleos y dibujos de los últimos dos años en la Galería Freijo de Madrid. Neuroconexiones plásticas, que podrá verse hasta el 29 de abril.

Imagen: Cabeza 1974, obra de Enrique Brinkmann (Málaga 1938)

martes, 14 de marzo de 2017

14 de marzo



A veces te imagino descansando junto a tu bicicleta, entre los altos de un monte, disfrutando del paisaje.


 otras me parece verte, descubriendo caminos, paseando sin rumbo...


a la tarde siempre detrás de tu ventana, leyendo, haciendo crucigramas, disfrutando siempre de tu adorada música... Los 14 de marzo, te recuerdo, siempre.

Imagenes: Obra de Eric Ravilious

jueves, 9 de marzo de 2017

Fernando de Szyszlo



"Ahora ya no combatimos a Stalin sino la banalidad en la que vivimos. Creo que en Woodstock y en el París del 68 se inició la debacle de nuestra civilización por un tiempo. Ahí se empezó a banalizar el arte. Yo me quejaba mucho de lo que llaman ahora arte contemporáneo, pero me doy cuenta de que es el producto del mundo en el que vivimos, que ha negado el amor, el sexo; lo ha banalizado, vulgarizado, desprestigiado. Le ha quitado importancia. El amor y el sexo se han vuelto una especie de gimnasias pasajeras, sin ningún compromiso y sin ningún recuerdo. El mundo en el que vivimos en este momento es un mundo terrible".

Fernando de Szyszlo
Fernando  de Szyszlo tiene 91 años. Es hijo de peruana y de polaco, a quien lo expulsó de Europa el viento nazi. Es agnóstico; nunca dejó de protestar, en su país y fuera. Es un progresista desengañado de Cuba, de la izquierda cegata. Pero no un reaccionario. Es, tan solo, un hombre que despertó muy pronto de los sueños de posguerra.
Fuente del texto: Diario El País
Imagen: Obra de Fernando Szyszlo

miércoles, 8 de marzo de 2017

para las ausentes

Mujeres que nunca más reflejarán su belleza y su dignidad en un espejo, porque las mataron... 

8 de marzo 2017, para las ausentes.


Espejo
Soy plateado y exacto. No tengo preconceptos.
Cuanto veo, lo trago inmediatamente
Tal cual es, sin empañar por amor o desagrado.
No soy cruel, sólo veraz:
Ojo de un pequeño dios, cuadrangular.
Casi todo el tiempo medito en la pared de enfrente.
Es rosada, con lunares. La he mirado tanto tiempo
Que creo que es parte de mi corazón. Pero fluctúa.
Las caras y la oscuridad nos separan una y otra vez.
Ahora soy un lago. Una mujer se inclina sobre mí,
Buscando en mi extensión lo que ella es en realidad.
Luego se vuelve hacia esas mentirosas, las bujías o la luna.
Veo su espalda y la reflejo fielmente.
Me recompensa con lágrimas y agitando las manos.
Soy importante para ella. Que viene y se va.
Todas las mañanas su cara reemplaza la oscuridad.
En mí ella ahogó a una muchachita y en mí una vieja
se alza hacia ella día tras día, como un pez feroz.

Sylvia Plath


viernes, 3 de marzo de 2017

un cuarto propio, siempre...


"Les dije suavemente que bebieran vino y que tuvieran una habitación propia", escribió en su diario Virginia  Wolf tras dictar las conferencias en los colleges femeninos de Cambridge, que son el origen del libro "Un cuarto propio". Texto que describe en qué consiste el feminismo, la revolución sin sangre que comenzó el siglo pasado, en las palabras de una de las más grandes autoras de la historia.

Fotografia: Virginia Wolf

lunes, 20 de febrero de 2017

Jannis Kounellis





Este pasado viernes día 17, se conoció el fallecimiento en Roma de Jannis Kounellis a la edad de 80 años. 

A Kounellis se le recordará principalmente por ser uno de los pioneros y más destacados protagonistas del movimiento artístico, de naturaleza crítica, Arte Povera, que apareció en Italia en los años sesenta paralelamente al movimiento americano de la antiforma, y como reacción al arte tradicional. 
El término póvera, fue utilizado por primera vez en el marco de una exposición genovesa Arte povera E Im Spazio (1967), para definir la actitud de un nuevo tipo de artista ideologizado e implicado políticamente. Un arte basado en el empleo de materiales ordinarios y naturales: arena, fuego animales, ceras, grasas, personas, algodón, plantas, verduras, etc; una estética del desperdicio, opuesto al arte rico y tradicional y a la sociedad deshumanizada y consumista. Kounellis, además, sustituyó el marco de sus cuadros  por jergones de camas, marcos de ventanas, además de utilizar los propios edificios de las galerías y las instalaciones industriales para su obra. 
Artista incansable, sus obras han sido expuestas en los más importantes museos, galerías, y citas artísticas de todo el mundo.


In memoriam.

pfp


Fotografía: J. Carbó. Jannis Kounellis en Barcelona 1999

lunes, 13 de febrero de 2017

Hockney



We two boys together clinging 1961

La más grande retrospectiva dedicada a David Hockney, acaba de inaugurarse  en la Tate Britain de Londres. Abarca la exposición, hasta 13 salas y ya ha batido el récord de venta anticipada de la Tate. 
El reto del museo ha sido ir más allá y destacar, a través de una colocación casi cronológica de un centenar de piezas, las líneas maestras de una obra rica en temática y técnicas. Y el hilo conductor, en palabras de uno de sus comisarios, Chris Stevens, es la reflexión del artista sobre “cómo vemos el mundo y cómo el artista es capaz de capturarlo en dos dimensiones”.
El espectador se adentra en los años de estudiante de Hockney, entre 1959 y 1962, en los que una reveladora visita a la exposición de Picasso le permitió comprender que un artista no tenía por qué limitarse a un solo estilo.
El impacto que el expresionismo abstracto provocó en los artistas europeos de la época se ve en cuadros como, We two boys clinging (1961), que constituye -en sus propias palabras- “actos de propaganda” del amor homosexual en un momento en que estaba prohibido.
Las siguientes salas están consagradas a su alejamiento de la abstracción en los años sesenta, y sus juegos de equilibrios entre la imaginación y la observación. Esos años deparan a Hockney un descubrimiento fundamental: la ciudad de Los Ángeles, a la que viaja en 1964 y que le cautiva con sus espacios abiertos, la luz blanca del sol, la moderna arquitectura y el culto al cuerpo.
Su obra, particularmente la de los años sesenta, ha quedado como una iconografía de las revoluciones sexuales, económicas y estéticas de una época. Tanto, que hay cosas de la realidad que se identifican con Hockney: las altísimas palmeras de Los Ángeles, las piscinas suburbiales, los aspersores de riego sobre el césped, todo eso lleva ya la firma del pintor.


Peter getting out of Nick’s pool (1966),



 Modelo con autorretrato inacabado (1977)




 A bigger splash (1967)

                                  
                                      Woldgate Woods. Noviembre (2006)

Pocos artistas vivos han alcanzado un éxito tan masivo como Hockney. Y esta gran exposición, organizada en colaboración con el Pompidou y el Metropolitan, pretende ser también un reconocimiento al personaje, que este verano cumple 80 años y sigue muy activo, como demuestran la videoinstalación los cuadros dibujados con tabletas iPad que ocupan las últimas salas de la exposición.


Fuente del texto, el País







domingo, 5 de febrero de 2017

algunas estrellas de Goya



Cayetana de Alba de Tormes.  1795


Mariana Waldstein, Quinta Marquesa de Santa Cruz. 1797


                                                 La Condesa de Chinchón. 1800



Retrato de Doña Isabel Porcel. 1805


Rita Barrenechea y Morante. Marquesa de la Solana. Aristócrata y dramaturga.1794-1794



Las Majas en el balcón. 1810-1812


La lechera de Burdeos o Lechera de Burdeos, considerado última obra del pintor Francisco de Goya, pintado hacia 1827, un año antes de su muerte y durante su exilio voluntario en Burdeos, Francia




Retrato de Francisco de Goya. Fuendetodos provincia de Zaragoza 1746 - Burdeos, Fancia 1828.  Obra de  Vicente Lopez.

viernes, 3 de febrero de 2017

San Blas



querida madre, hoy día 3 de febrero, hubiera sido tu cumpleaños... 



en el bosquecillo de mimosas
¿qué hay? ¿qué hay?
está el lagarto que no se atrevió 
a poner el ojo en las acederas
la flor llamada "botón de oro"
y la planta llamada sensitiva
que, según dicen, se abre con la aurora
y toma la forma de una aceituna.
Allí también está Hortensia,
las bolas azuladas de la celeste hortensia
y la tropa plateada de hierbajos.
En el bosquecillo de mimosas
¿qué hay? ¿qué hay?

Poemas burlescos. Hortensia.
Los penitentes en camiseta rosa.

Max Jacob




Imagen:Hydrangea macrophylla. Foto de Rolf Källman   

viernes, 27 de enero de 2017

sylvia, siempre





La señorita Drake se dispone a cenar.

Como ya es ducha
en esos elaborados rituales
que atenúan la malicia 
de la mesa nudosa y la silla curva,
la recién llegada
viste de púrpura, anda con cuidado
entre sus secretas combinaciones de cáscaras de huevo
y frágiles colibríes,
camina de puntillas, pálida como un ratón,
entre las rosas damascenas 
que, poco a poco, van abriendo sus pétalos velludos
para devorarla y arrastrarla al interior
del diseño de la alfombra.

Con su vivaz mirada de pájaro alzada de reojo
puede ver en la mella del tiempo
las peligrosas espinas que brotan en las tablillas del parqué
y desbaratar su zarzaleño plan;
cruzando el aire lleno de emboscadas,
cegador a causa de los deslumbrantes pedazos
de cristales rotos,
avanza despacio, con aliento cauto,
sorteando puntas y colmillos,
hasta que poniéndose de costado,
levanta un pie palmeado tras otro
en el ambiente calmoso, sofocante,
del comedor de los pacientes.

Sylvia Plath



Imagen: Water Flowers. Alfombra de Joseph Carini inspirada en los trabajos de Yuki Hayama. 


domingo, 22 de enero de 2017

ópera suicida, Werther

Las posibilidades dramáticas del suicidio han sido recogidas por la literatura de todos los tiempos. La música, en especial la ópera tampoco ha sido inmune a él.

Jules Massenett (18842-1912), compone Werther en 1892 a partir de la gran novela escrita por  Goethe (1749-1832). Esta novela, una de las primeras en género epistolar, publicada en una primera versión anónima en 1774 y en una segunda en 1787, significó un gran acontecimiento y una revolución del genero novelesco moderno, ejerciendo una gran influencia en la literatura y en las artes en general, de las que la música detenta un lugar especial. 

Siendo importante su influencia en el arte, la novela supuso sobretodo un revulsivo en el seno de la sociedad culta y de una manera especial en círculos de la juventud burguesa del momento. Jóvenes ociosos aceptaron la figura, formas y estilo del protagonista, que se dice desató entre ellos una ola de suicidios, por lo que fue perseguida y prohibida en varios países europeos.

Cuando Massenet compuso esta bella ópera, muchos otros músicos y dramaturgos ya se habían inspirado en ella, algunos dando un giro radical a la historia, pero él, respetó la generalidad de la obra, concentrando algunos episodios, y obviando otros, pero manteniendo el desenlace fatal.

https://www.youtube.com/watch?v=PzKhikZ4oVEE

https://www.liceubarcelona.cat/es/temporada-2016-2017/opera/werther

Imagen: Suicidio de Werther, grabado sobre madera.