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jueves, 1 de mayo de 2014

Romaine Brooks 3



Elizabeth de Gramont,  duquesa de Clermont-Tonnerre, una de las rivales de Romaine por el amor de Natalie Barney...

Los arboles

En el azur de abril, en el gris del otoño
los arboles poseen una gracia inquietante.
El álamo en el viento se retuerce y se pliega
cual cuerpos de mujer trémulos de deseo.
Su gracia es un desmayo de carne abandonada
y murmura su fronda, al soñar se estremece,
se inclina, enamorada de las rosas del Este.
Lleva el olmo en su frente una corona pálida.
Revestido de claro de luna plateado,
el abedul deshila su cambiante marfil
y plasma palideces en las sombras inciertas.
El tilo huele a ásperas y oscuras cabelleras.
Y desde las acacias de lejana verdura
divinamente cae la nieve del perfume.

Renée Vivien


Fotografía: Duquesa de Clermont-Tonnerre, pintado por Romaine Brooks





jueves, 24 de abril de 2014

Romaine Brooks 2

,


Natalie Barney, poeta, mujer audaz e inteligente, nació en EE UU en el seno de una rica familia, en  Dayton (Ohio) el 31 de octubre de 1876,  recibió una esmerada educación en la que destacó su afición al Arte y la literatura. Viajó al extranjero, desde muy joven tuvo una vida rica en experiencias, hasta asentarse en París donde fundó el mítico club de las Amazonas, circulo intelectual de lesbianas que además reunió a gran cantidad de intelectuales.
De su primera relación lesbica con Liane de Pougy, surgió su primer libro de poemas, cuya publicación  fue objeto de su ruptura familiar.

Conocer a Renée Vivien, poeta y novelista  fue un episodio crucial en su vida. Con ella mantuvo una intensa relación.

ESPERA

En esta estancia! Y sin confidencias,
Nuestros jazmines de ayer ya no aroman...
Solamente para ti me he vestido,
Para ti sola he soltado mi pelo...
He escogido joyas... ¿Te gustarán? 
En mi inquieto corazón estás tú,
¿Cómo me verás? ¿Qué me dirás tú
amiga, al cruzar mi umbral al ocaso?
Habrá lluvia de violetas y de algas
Cruzando el ventanal verde y violáceo...
Saboreo la angustia de esperar
La dicha que vendrá cuando amanezca.
Silente espero la hora que he soñado...
La noche con su manto oscuro y claro...
Mi alma infinita esparcida en el aire...

Está templado y ha salido la luna

Renée Vivien 



Fotografía: Retrato de Natalie Barney por Romaine Brooks



domingo, 13 de abril de 2014

Romaine Brooks



Romaine Brooks, pintora. Hija de un adinerado matrimonio norteamericano separado al poco tiempo de su nacimiento, tuvo una infancia infeliz e inestable, siempre al cuidado de niñeras y personal doméstico, mientras su hermano mayor, enfermo, recibía todas las atenciones y el cariño materno. 
A los veintidós años se matricula en Roma en la Scuola Nazionale de Arte.
A la muerte de su madre en 1902, recibe una cuantiosa fortuna que le permite garantizar su independencia, no obstante nunca  consigue olvidar el desafecto y la crueldad materna para con ella.

Su vulnerable y contradictoria personalidad, se movió en brillantes círculos sociales; En Capri, donde instala su estudio-residencia, forma parte de un grupo de artistas, escritores e intelectuales de las vanguardias, y donde contrae matrimonio en 1904 con el pianista John Ellington Brooks, (experiencia que a penas dura un año). Poco después de su separación, se traslada a  Londres, donde se relaciona con Beardsley y Oscar Wilde entre otros artistas contemporáneos, y más tarde se instala en París, 1905,  dónde logra sin a penas perseguirlo, hacerse un nombre pintando retratos de mujeres, algunas de las cuales fueron sus amantes. 

Artísticamente permaneció alejada de  las tendencias imperantes, impresionismo, simbolismo etc., permaneciendo fiel a su figuración, a su paleta de negros, grises-plateados,y verdes.

Fue junto a la poeta Natalie Barney con la que mantuvo una intensa y duradera vida amorosa, durante la cual surgieron además numerosas colaboraciones artísticas. Brooks terminó su relación con Barney, tras varias infidelidades de Natalie. A pesar de las numerosas cartas y disculpas de Natalie, Brooks se negó a aceptarla de nuevo como compañera. 
Murió en Niza en 1970,  a los 96 años. 
Su historia recrea ampliamente la vida bohemia de principios del siglo XX. 





Fotografía: Autorretrato, Femme avec de fleurs. 1912.
                Romaine Brooks. (Roma, Italia 1874-Niza, Francia 1970).
                

sábado, 15 de marzo de 2014

Juan Ramón Gimenez


Orden de trabajo diario:
Levantarme a las 9.
Desayuno, baño, arreglo mental y de casa, paseo; hasta las ll.
Trabajo en mi obra propia; hasta las 2 y ½.
Comida, descanso breve, periódicos del día y atrasados (de 6 a 8); hasta las 5.
De 5 a 7: un día, traducción y su imprenta; otro, envío de libros y arreglo biblioteca.
Paseo a las 7 y ½ (Retiro, visitas, librerías, calles, etc.)
Cena a las 9 y ½. Idiomas y lectura; hasta las 12.
Los jueves por la tarde, después de los periódicos, paquetes a mi madre y hermano.
Los domingos: por la mañana, cartas; por la tarde, cartas a mi madre y hermano

Putas
Mis amigos solían ir en Huelva, en Sevilla, en Madrid, a las casas de putas. La vida de Sevilla tenía en su diario ese nocturno. Yo no sentía la menor emoción por aquellas muchachas más o menos jóvenes, rubias o morenas, que me besaban y me preguntaban cuándo iría a verlas. Porque yo estaba fascinado por unos ojos verdes de la hermana de un amigo, el brazo mate de la tiple italiana, la ecuyere del circo. Todo lo imposible o lo improbable.
Caí algunas veces por no ser menos ante ellas y ello, ante ellos con ellas y ellas con ellos. Yo pensaba y creía que todas aquellas muchachas tenían una sensibilidad secreta que nadie había tocado.
Y si, por acompañar a mis amigos, iba, buscaba la muchacha más triste, más delicada y hablaba con ella de su casa, de su pueblo, de su vida. Algunas me dieron, en la sombra, un beso amigo, cariñoso, desinteresado.
(…) Lo escabroso (y ciertos amores) aún anteriores a 1916, lo escribiré pero no lo publicaré ahora sino póstumamente. Respeto a Zenobia.

El místico y los pícaros
Yo no iba a casas de putas, no decía “carajo”, “coño”, palabras gordas, como dicen los “hombres”, no andaba “necesariamente”, con toreros ni cupletistas.
En vista de esto yo estorbaba a los pícaros, yo era, decían, un místico, y decidieron que ellos eran los “hombres” y yo una señorita, una niña, Miss Poesía, etc. Y para ponerse ellos en su sitio, lo intentaron todo, caricatura soez, copla baja, para echarme abajo lo mío.
Les di ejemplo de dignidad y se reían. Por eso Salinas, Guillén, (Lorca), Alberti y —¡ay!— Bergamín se volvieron y volvieron a los otros contra mí.
Los más hipócritas de ellos decidieron que yo era un puritano, peor todavía que un místico. La cuestión era, como en el nazismo, justificar su conveniencia; y decidieron que la picaresca era más española. Y todos juntos ya, se pasaron, lugar de su vocación y su destino, a la picaresca.
Ellos querían vitorear. En realidad estaban haciendo conmigo una farsa de solución. Yo representaba “el espíritu”, decían, y claro, conmigo no se podía contar para “ciertas cosas” con que ellos necesitaban contar y recontar.

El martirio de escribir
30 años de mis 45 los he pasado en el martirio de escribir, con la voluptuosa exactitud que en cada edad me ha exijido mi más o menos activa conciencia, mis sentimientos, fantasías y pensamientos —como si no hubiera sido bastante y más, para mí, el egoísmo de poseerlos plenamente, y como si la poesía escrita le importase a alguien.

La vida. Vivir
Es frecuente que los que escriben sobre mí, digo, contra mí, me echen en cara que no he vivido. Recuerdo las líneas de Stendhal en Roma: “Un día hermoso he visto la puesta de sol desde San Pedro”, etc. Pues cosas así son las que yo hago a diario: amo a una mujer, salgo a la naturaleza, campo, mar, jardín, plaza, ando por las calles, leo, veo pinturas, oigo música, viajo lo que puedo y sé que puedo estar solo cuando quiero. No voy a cafés, toros o prostitutas no por (…), sino porque no me gustan. Si X prefiere el café a la música, yo prefiero el (…) a la casa de putas. ¿Esa es la vida?
Se dice que X ha vivido. Conozco su vida. Se levanta, no se lava, desayuna, se va a dar un paseo camino de su clase, se va al café (tres horas), una puta, cenar y dormir, no se lava.
Estoy contento del trabajo de mi vida
Estoy contento del trabajo de mi vida y creo que, al fin, conmigo, tiene España un poeta completo que puede unir a los universales. A ver, ahora, cuántos siglos pasarán antes de que venga otro español a ponerse a mi lado. Esto no es orgullo. Es gozo. No soy yo quien me jacto por mí; sino yo que he castigado, sacrificado, exaltado, al otro yo que ha realizado tal obra.
Y, ahora, muerte, ven por mis huesos. Ahora, siglos, venid contra mi Poesía.

Juan Ramón JImenez

Fotografía: Ex-amor, poema manuscrito de Juan Ramón JImenez


miércoles, 26 de febrero de 2014

Elsa von Freytag-Loringhoven


Baronesa Elsa von FReytag- Loringhoven, considerada por Duchamp y Man Ray la única artista puramente dadá, la única que logró demoler toda lógica viviendo puramente dadá, transgrediendo con sus acciones cotidianas  todos los limites convencionales de su sexo y de su época. Una vida al límite del límite. 
En el retrato que le hiciera George Blide, aparecen seis cabezas en las que le representa seria, taciturna, sentenciosa, reflexiva, inquisitiva, apesadumbrada,...no importa saber cual de ellas es su verdadera personalidad, ella era todo eso y más.



Nació en 1874 en Alemania, hija de una familia adinerada, en la que el padre ejerció una autoridad brutal, y de la que se alejó tras la muerte de su madre. A partir de entonces, viajes, trabajos, promiscuidad, matrimonios y enfermedades se suceden a lo largo de su vida, militando activamente en contra de todo valor burgués, en contra del mercado del arte, en contra incluso de si misma.
Su auténtica vida de artista comienza en Nueva York, tras su tercer matrimonio y obtener con él su pomposo título de Baronesa. Allí comenzó a escribir y a publicar, allí se hacen notorias sus apariciones públicas un Happening en sí mismas.  Cuenta Margaret Anderson, su editora, su primer encuentro en el Greenwich Village de Nueva York: -se rapó la cabeza, se la pintó de un rojo bermellón intenso, robó una corona en una funeraria y se confeccionó un vestido con ella,[...] era ya una artista en su cuarentena.

God. Elsa von Freitag-Loringhoven

God 1917, es una de las pocas piezas que se conservan de Elsa, la primera obra del dadá americano; actualmente sigue sorprendiendo, la pieza consiste en una ingletadora de madera encontrada en algún basurero, (a los que tanta afición en rebuscar tenía Elsa) sobre la que se inserta una pieza de fontanería que se enrosca sobre sí misma para terminar con cierto aire fálico señalando hacia arriba, hacia el cielo.
Darle el nombre de Dios a un trozo de cañería de plomo retorcida, fue un duro golpe para la omnipresencia divina de la cultura occidental en un ambiente tan conservador como la cultura norteamericana. 
En la segunda década del siglo XX, Nueva York comienza a cambiar. La sociedad Neoyorkina para la Supresión del Vicio y la Ley Seca ponen las cosas difíciles para estos artistas experimentales de la vanguardia trasatlántica. Muchos de ellos vuelven a Europa, también lo hizo Elsa, no sin antes dejar en forma de poema el recuerdo, la idea que le quedará de América.

COLA DE CONFUSIÓN: AMÉRICA

    en este tiempo apurado -aplastante- excitante de
    regodeo universal -alteración- por la impotencia de la 
    lógica.
    "poniendo la cosa a derecho" limpieza casera -vigorosa
    incesante -crianza- en New-Zion-York--
    "La Sagrada Comunión servida suave -suave- suave"
    a los suavísimos -(Cristianos)
    Pertinentemente Atroz¡ Jo-ho-ha-jecee¡
    Omnipotencia-infalible-desenmascaramiento de consumo-
    Supuesta impotencia de "Susie la blandengue"
    Batido malteado -sabor aurático- para humildes
    bastardos impedidos -Coca-Cola para los matones del
    tambor.
    De pantalones religiosos desacoplados de segunda manov
    (¡Jesucristo¡)
    Finales -de- Equivocación- Amertica´s "KYKIANITY"¡
    ¿no soy como una alondra?
    Mucho¡
    Un alto mareo muy punzante¡
    Síguelo agilmente
    Nauseabundos mudos de pies sordos
    Croando con "Genickstarre" 
    tal es la vida de la alondra-hoy¡
    Ja heeeeeeeeeeeeeeeee¡


Marc Vaux. Máscara mortuoria de Else von Freytag-Loringhoven 1927

En 1923 vuelve a Alemania, donde se encuentra repudiada y desheredada por su familia y la de su difunto marido. Malvive hasta llegar a París en 1926 a donde, a pesar de sus rachas de exuberancia llega desgastada, envejecida, cansada. Se involucra en varios proyectos vanguardistas ayudada por la mecenas Peggy Guggenheim, pero en Diciembre de  1927 un amigo personal encontrará su cadáver junto a su inseparable perro Pinky. Sin drama, sin una nota de despedida, tal como ella había afirmado que le hubiera gustado suicidarse.

pfp



Bibliografía: Baronesa Dandy Reina Dadá. Vida y obra de Elsa von Freytag Loringhoven.

Gloria G. Duran.

Ed. Diaz y Pons 2013




martes, 18 de febrero de 2014

Günter Brus




"Uno se hace artista para insultar a su familia" gustaba de decir el austriaco Günter Brus, una de las figuras más radicales del arte de las acciones y las performances. Intransigente, y visceral utilizó su propio cuerpo realizando prácticas sadomasoquistas, autolesionándose y pintando con su propia sangre y excrementos. Realizó sus acciones entre 1965 y 1970, dentro del movimiento artístico que se conoce como Accionismo Vienés,  que supone la línea más dura del body-art. Además de Günter Brus el grupo estaba formado por Hermann Nitsch, (polifacético y escandaloso artista), Otto Muehl,(que acabó fundando una comuna libertaria y sufrió condena por pederastia), y Rudolf Schwarzkogler (que se suicidó a los 28 años)

  
De todos ellos, es sin duda Gúnter  Brus quien presenta una trayectoria coherente, a pesar de lo aparentemente incoherente de su obra.  El accionismo vienés pretendía romper con el arte como contemplación y reflexión, utilizando el propio cuerpo como renuncia total a la mercantilización y la desmaterialización del objeto artístico,  para ello, recurrían a aquello que nunca había  estado presente en modo alguno en la imagen-espectáculo: fluidos, semen, sangre, excrementos; todo lo abyecto, lo obsceno y lo extremo en todos los sentidos. 



Algunas de sus acciones más provocadoras consistieron en rajarse brazos y piernas, coserse él mismo las heridas, orinar y defecar ante el público en un intento de liberación absoluta ante ataduras morales y sociales, también en un sentido místico de negación del dolor. En 1970 tiene lugar su última performance, "Prueba de resistencia", en la que el artista, totalmente afeitado se autolesionó a la manera histórica y pictórica del mártir, para poner a prueba  la vulnerabilidad del individuo, el dolor y la locura. Después de este acto, solo había un paso más, el suicidio, y así lo comprendió Brus, que abandonó sus acciones, para pasarlas por medio del dibujo al papel.


Fotografías: Günter Brus, performances


               




viernes, 24 de enero de 2014

Charles Baudelaire


INFANCIA: viejo mobiliario, Luis XVI, Antiguos, Consulado, Pasteles. 
Sociedad siglo XVIII.
   Después de 1830, Colegio de Lyon. Golpes, batallas con los profesores y los camaradas. Grandes melancolías.
   Regreso a París. Colegios, y educación por mi padrastro.
   Expulsión de Louis-le Grand, historia del Bachillerato.
   Viajes con mi padrastro (Pirineos). Vida libre en París. Primeras relaciones literarias.
   (Ourliac, Gérard, Balzac, Levavasseur, Delatouche). Veuillot.
   Viaje a la India (de consentimiento mutuo).
   Primera aventura (barco sin rumbo) (El Capitán Adam). (Mauricio, isla Borbón, Malabar, Ceylán, Indostán, Cabo; paseos felices).
    Segunda aventura (Regreso en un barco sin víveres y hundiéndose).
   Regreso a París. Segundas relaciones literarias (Sainte-Beuve, HUgo, Gautier, Esquiros). Delacroix.
   Durante mucho tiempo, dificultad para que cualquier director de periódico me comprenda.
   Gusto permanente, desde la infancia, por todas las imágenes y por todas las representaciones plásticas.
   Preocupación simultánea por la filosofía y por la belleza en la Prosa y la Poesía.
   ¿Qué es la Poesía? ¿Qué es la Prosa?
   De la relación perpetua, simultánea, del ideal con la vida.

Charles Baudelaire
Notas para una biografía 1860


Fotografía: Charles Baudelaire. Autorretrato. Pluma y lápiz rojo, 21,9 x 15,2 cm. 1860. Musée d´Orsay.



sábado, 11 de enero de 2014

Alina Szapocznikow


Alina Szapocznikow nació en 1926 en el seno de una familia judía, en Kalisz (Polonia). Creció mientras su  país era ocupado por el ejercito alemán durante la Segunda Guerra, viéndose  obligada junto a su familia a refugiarse en un gueto donde muere muy joven su padre. A los dieciseis años , fue deportada junto a su madre a Auschwitz de donde logra salir con vida.                       
Al acabar la guerra, comienza su formación como escultora, primero en la Escuela de Arte de Praga, donde desarrolla sus primeros trabajos en bronce y piedra en un estilo  figurativo, y mas tarde se traslada a estudiar a París, allí recibe la influencia de artistas de la talla de Henry Moore y Giacometti, entre otros.



Con los años da un giro a su creatividad y reconceptualiza radicalmente su escultura, ofreciendo al espectador su propio cuerpo moldeado y troceado, como protagonista principal de sus esculturas.



Su carrera, truncada por una muerte prematura a causa de un cáncer de mama, dejó un legado de objetos provocadores donde no solamente queda la huella de su memoria, sino también la de su propio cuerpo convertido en objetos que evocan sucesivamente, influencias surrealistas, un nuevo realismo, y un acercamiento evidente hacia el arte pop, convirtiendo también su obra sensual y reflexiva, en dura crítica sobre la banal comercialización del Arte. 


"A través de las huellas del cuerpo trato de fijar en el poliester transparente los momentos fugaces de la vida, sus paradojas y su absurdo. Mi trabajo es difícil, pues la sensación experimentada de forma inmediata y difusa es a menudo rebelde a la identificación. A menudo todo está embrollado, la situación es ambigua, los limites sensoriales están borrados"

Alina Szapocznikow 1972

miércoles, 8 de enero de 2014

bio-objetos, Tadeusz Kantor



Contaba el propio Kantor, que "en el año 1971, vivía en un pueblecito de la costa que tenía pequeñas casas y un colegio con el aspecto más pobre de todos los colegios posibles -estaba abandonado y vacío y solo contaba con una clase-. Podía mirar a través de los cristales sucios de las dos ventanas, ventanas miserables. Pegué la cara a la ventana y miré dentro de mi propia mente. En mi memoria trastornada era un niño pequeño, otra vez sentado en una pobre clase de pueblo. Su pupitre estaba rayado con marcas de cuchillos y mojaba sus dedos llenos de tinta para pasar la página de la cuartilla. El tanto frotar había hecho que los granos del suelo de madera fueran visibles. La clase tenía paredes blanqueadas y en la parte de abajo se desprendía la cal. Había una cruz negra en la pared. Hoy sé que hice un descubrimiento importante junto a esa ventana: me di cuenta de la existencia de la memoria." 




Fotografía: Tadeusz Kantor, vivió en Cracovia la Segunda Guerra Mundial. Nació en Wielopole en 1915, una población en la que convivían judíos y católicos y de la que se desalojó violentamente a los judíos quedando sus casas abandonadas, cubriéndose poco a poco de polvo, en la inútil espera de sus habitantes que nunca jamás volverían. Fue espectador de las deportaciones hacia el vecino campo de exterminio en Auschwitz donde  murió su padre, judío converso. 
Pudo recorrer más tarde el barrio judío de Cracovia, visitar sus calles fantasmas, donde tras los cristales negros de polvo y suciedad se seguía aguardando a sus habitantes. De ahí rescató Kantor los objetos que utilizó en sus obras, receptáculos de la memoria, objetos cotidianos a los que él concedía  el mismo valor que un personaje, objetos que van más allá de lo funcional que se convierten en los atributos de un desaparecido, restos del pasado que arranca los recuerdos. La gran creatividad de Kantor se sirvió del teatro, la pintura, el dibujo, la instalación, la fotografía, el happening, etc.   


http://www.youtube.com/watch?v=U0wdk3N53XY

lunes, 6 de enero de 2014

Philip Guston





En 1970 en la galería Marlborough de Nueva York Philip Guston desvela su retorno a la figuración. 
Para Guston, al arte abstracto había llegado a un punto muerto. Lo calificó de "falso", de ser una forma de "evasión de los sentimientos genuinos que tenemos del mundo, con nosotros dentro de él". "A medida que avanzaban los años sesenta me sentía dividido, esquizofrénico", dijo entonces. "La guerra de Vietnam, la situación en EE UU, la brutalidad del mundo. Qué tipo de persona soy: leo revistas, en casa, y me acosa una furia frustrante; pero, luego, voy al estudio a ajustar un rojo sobre un azul. Debía hacer algo. Sabía que se estaba abriendo una senda delante de mí. Una senda cruda, a medio formar. Quería ser un todo de nuevo, como lo era de niño... quería ser una unidad entre lo que pienso y lo que siento".
Ante una crisis, hay quienes ven un problema,  quienes ven una oportunidad, quienes perciben ambas cosas, quienes se pierden en la oscuridad de las circunstancias y quienes con valentía atacan de frente el problema; el arte de Guston refleja el diálogo interno que el artista mantuvo constantemente con sus demonios personales. La visión de niño de su padre ahorcado de una soga; la muerte por gangrena de un hermano mayor; la proximidad de su propio ocaso tras sufrir un ataque de corazón revierten en la tela a través de objetos, figuras y formas que se van repitiendo a lo largo de sus lienzos; una bombilla suspendida de un cordel, los encapuchados, el brazo acusador, las piernas kilométricas y suelas de zapatos, cigarrillos y puros perennemente encendidos aportan pistas sobre su autor, pero también sobre la sociedad que le rodea.


Fotografía: Philip Guston. Mesa de pintor 1973. La obra de su última década recuerda, en una primera aproximación al esfuerzo de un niño. Son trabajos divertidos y furiosos a la vez, delatores de la corrupción política y de los vicios personales; el artista que agota todos los cartuchos para integrar arte y vida.

jueves, 2 de enero de 2014

Louise Bourgeois






Las obras  de Louis Bourgeois  evidencian cómo el psicoanálisis intervino en el pensamiento de la artista, y cómo en el diálogo con ese discurso creó un universo, una obra emocionante, legendaria sobre su apasionante y conflictiva vida. El mundo interior, el de las relaciones familiares, la infancia, el lugar del padre, la madre, la hija, más tarde  la esposa  y madre; lo reprimido, todo está tratado de manera singular, propia y personal, convirtiendo a Bourgeois en icono de los temas más trascendentales del siglo XX.
Sus famosas obras colgadas, o pendientes de un hilo, muestran la fragilidad, la delicadeza de los acontecimientos, y evidencian  la ambivalencia entre el mundo exterior y el mundo interior del sujeto.




Fotografía: Louise Bourgeois, una de las artistas más reconocidas del siglo XX. Nació en París en 1911,  viajó y vivió en Estados Unidos desde 1938 hasta sus últimos días, en 2010. 




sábado, 28 de diciembre de 2013

Edvard Muhch



Edvard Munch

Recuerdo de infancia. Más allá de la puerta. 1891


Edvard Munch
Recuerdo de infancia. Junto a la cama de matrimonio. 1891


Edvard Munch
Espectros: escenas de familia.1920


Edvard Munch
La madre muerta y el niño. 1901

Munch representó constantemente seres macilentos y fisonomías vacías. Dos dibujos que acompañan su Diario en los años 1891-1892,  condensan ese efecto de despersonalización. Más allá de la puerta y Junto a la cama de matrimonio, evocan los últimos recuerdos que Munch conservaba de su madre: un paseo, y el momento en que ella informa a sus hijos de su muerte inminente. Unas anotaciones escritas acompañan a los dibujos. Laura Munch murió en diciembre de 1868, Edvard tenía entonces cinco años.

Más tarde el pintor vuelve a trazar de memoria el suceso traumático de su infancia. El Munch Museet conserva dos esbozos en tela que trasponen el motivo de Recuerdo de la infancia sobre tela. Munch no añade a los dibujos agrandados más que alguna pinceladas de color: briznas de hierba sobre el empedrado, tiras de cielo azul y manchas de sol sobre el suelo. En las caras y en los detalles de la calle ha conservado la indeterminación que corresponde a la fragilidad del recuerdo. Los cuadros quedaron inacabados.

jueves, 26 de diciembre de 2013

Étienne-Martin



Étienne-Martin modeló una serie de esculturas de yeso (fundidas luego en bronce), tituladas Demeures (Moradas) La serie estaba inspirada en los recuerdos de la casa familiar. 

La casa, hábitat o habitáculo, es el lugar de vida, cuya apariencia exterior y fisonomía remiten a un interior. Las variaciones de Étienne- Martin sobre el recuerdo de su casa natal, (Loriol, en el Drôme), llamadas Demeures son el desarrollo de una idea del habitat como dibujo y recorrido de una biografía real e imaginaria.

El recuerdo de la casa materna se dotó de sentido, gracias al texto de Bachelard sobre el imaginario del hogar (la primera casa, amada u odiada, que marca, desde entonces, para bien o para mal, nuestra manera de seleccionar y ocupar las sucesivas casas por las que pasamos, y de habitarlas).
Por otra parte, los recuerdos de su estancia en un bunker, durante la Segunda Guerra Mundial, tras su liberación de un campo de concentración en 1941, asociaron formas opresivas a la que se une la extraña sensación de seguridad que proporcionaban.


Sus Moradas están compartimentadas, como los panales o castillos laberínticos. Recogidas sobre sí mismas, abiertas y cerradas al mismo tiempo, evocan formas orgánicas, cálidas y húmedas, pero también espacios atrincherados donde no es fácil desplazarse. El ciclo comprende una veintena de esculturas (dos de las cuales quedaron en proyecto), y en 1967  un Abecédaire le dio su nomenclatura. Étienne-Martin elaboró y repitió incansablemente el esquema de la casa de su infancia.
La casa es tripartita: "casa Norte" color azul, "casa Sur" rojo y "casa Este" verde. Un sistema de correspondencias atribuye un nombre a las veinticuatro piezas o espacios; (habitación de los pájaros, habitación del Levante, Alcoba del corazón, escalera del lucernario)...y vincula cada uno a una letra del alfabeto, a un año o periodo del artista, a una obra específica. 

Un trabajo llevado a cabo para superar una fascinación.


Étienne Martin en su taller (1913-1995)

sábado, 21 de diciembre de 2013

Max Ernst - Dorothea Tanning

Max Ernst

Los artistas siempre han tratado de influenciar en sus biografías, Max Ernst fue más lejos. El mismo reunió los elementos de la suya y publicó una antología bajo el título de Escrituras. También produjo el relato de sus descubrimientos, (como dos revelaciones); "Mas allá de la pintura", donde relata la invención de los  procedimientos que introdujo en el surrealismo, frotagge: técnica en la que utiliza el sombreado a lápiz para transferir al papel  al lienzo, o a la superficie de un objeto, y el grattage en la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera.



Birthday, Dorothea Tanning


En 1937 la joven Dorothea Tanning, nacida en Galesburg (Illinois) en 1912 y formada en el Instituto de Arte de Chicago, vivió un acontecimiento que tuvo una importancia radical en su vida: la visita a la mítica exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Arte fantástico, dadá y surrealista; le causó un impacto tal que decidió trasladarse a París después de haber conseguido cartas de presentación para destacados miembros de las vanguardias artísticas.
Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, de regreso a Nueva York, empezó a trabajar con el marchante y amigo de los surrealistas Julian Levy, en cuya conocida galería expuso algunas de sus obras que ya empezaban a adoptar esas formas surrealizantes que caracterizarían su carrera posterior. De hecho, en 1942 pintó uno de sus cuadros más conocidos, Cumpleaños, un curioso autorretrato en el cual, vestida con un atuendo teatral que deja parte de su cuerpo al descubierto, aparece en un espacio de ensueño; puertas que se abren al infinito y acurrucado a sus pies, un animal con significaciones teosóficas nos recuerda el interés de la artista por lo inasible: "Mis sueños", escribía años después, "surgen de objetos que no tienen equivalentes en el diccionario". Se trataba de su segundo o tercer cuadro bajo la influencia del surrealismo, y se expondría en la muestra de mujeres en la galería de la marchante y coleccionista de arte Peggy Guggenheim, Art of this Century.
Ese mismo año, Max Ernst, al que había buscado en vano en París, visitaba a Tanning en su estudio y se quedaba fascinado frente a Cumpleaños,  poco más tarde contraen matrimonio, hasta 1976, fecha en la que murió Ernst.
Nacida en un ambiente puritano, cultivó su fantasía desde niña, luchó contra lo claustrofóbico a través de lecturas de autores como Oscar Wilde, Lewis Carroll o Hans Christian Andersen. Esa pasión por la literatura le lleva en la última etapa de su vida a compaginar la pintura con la poesía, publicando poco antes de morir Comming of that.

                                                              Max Ernst y Dorothea Tanning

"Una pintura es un hecho inseparable de la biografía del artista. La pintura en sí es un momento clave en la mixtura adulterada de su vida, ya entendamos por "momento" los minutos reales que llevan manchar el lienzo, ya sea la totalidad de la duración de un lúcido drama realizado en el lenguaje de signos. El acto de pintar se impregna de la misma sustancia metafísica que la existencia del artista . La nueva pintura ha roto toda distinción entre el arte y la vida".

Harold Rosenberg, 1952 





jueves, 19 de diciembre de 2013

Alberto Giacometti



"Solo indirectamente puedo hablar de mis esculturas y solo parcialmente decir lo que las ha motivado.
Una vez construido el objeto, tengo tendencia a encontrar en él transformados y desplazados, imágenes, impresiones, hechos que me han conmovido profundamente ( a menudo sin yo saberlo), formas que siento que me son muy cercanas, aunque a menudo sea incapaz de indentificarlas, lo cual siempre me las vuelve más turbadoras."

Alberto Giacometti en 1933, comentando uno de sus objetos,Le Palais à quatre heures du matin [El Palacio a las cuatro de la mañana 1932] 


lunes, 16 de diciembre de 2013

Antonin Artaud


Allí donde otros proponen obras yo no pre- 
tendo otra cosa que mostrar mi espíritu. 
 La vida es un consumirse en preguntas. 
 No concibo la obra como separada de la vida. 
 No amo la creación separada. No concibo tam- 
poco el espíritu separado de sí mismo. Cada una 
de mis obras, cada uno de los planes de mí mis- 
mo, cada una de las floraciones heladas de mi 
vida interior echa su baba sobre mí. 
 Me reconozco tanto en una carta escrita para 
explicar el encogimiento íntimo de mi ser y la 
castración insensata de mi vida, como en un 
ensayo exterior a mí mismo, y que aparece en 
mí como un engendro indiferente de mi es- 
píritu. 
 Sufro que el Espíritu no esté en la vida y que 
la vida no esté en el Espíritu, sufro del Espíritu- 
órgano, del Espíritu-traducción, o del Espíritu- 
intimidación-de-las-cosas para hacerlas entrar 
en el Espíritu. 
 Yo pongo este libro suspendido en la vida, de- 
seo que sea mordido por las cosas exteriores y 
antes que nada por todos los sobresaltos en ace- 
cho, todas las oscilaciones de mi yo por venir. 
 Todas estas páginas se arrastran como tém- 
panos en el espíritu. Disculpen mi absoluta 
libertad. Me rehuso a hacer diferencias entre 
cada uno de los minutos de mí mismo. No re- 
conozco el espíritu planificado. [...]

El ombligo de los LImbos. Antonin Artaud.



Fotografía: Autorretrato, Antonin Artaud.