+muros

Veinte años después de la caída del muro de Berlín, estamos celebrándolo como si a la humanidad y a sus dirigentes nos hubieran crecido alas en las espaldas y este fuera un mundo de seres , naciones y sociedades bondadosas, justas y angelicales...



Seguimos construyendo muros, de todas las especies, uno de los más evidentes separa Isrrael de Palestina.

Fotografía: obra de Banksy

http://www.banksy.co.uk/

Cortesía de Javi Duque http://www.youtube.com/watch?v=M_bvT-DGcWw

blublu.org

El artista puede ser un hijo, incluso un nieto de Polke...

La obra la reconozco como un vanitas del siglo XXI... quizá

No dejéis de verla...

http://www.youtube.com/watch?v=uuGaqLT-gO4

Fotografía: http://www.blublu.org/

Sigmar Polke

Sigmar Polke (Oels 1941), emigró con su familia a Alemania Occidental en 1953 y estudió en la Academia de Arte de Dusseldorf.

Las fuentes de su obra se encuentran en la crónica social, la fotografía de prensa es parte de sus herramientas de trabajo, y en muchas ocasiones el objeto mismo de la imagen, y la posibilidad de trabajar con la realidad. Sin embargo para él la fotografía, como la pintura u otras formas de expresión, son sólo instrumentos de mediación entre el artista y la vida origen de su inspiración, desarrollando en sus lienzos una narrativa crítica, profunda que provoca al debate con el espectador.

Los materiales y técnicas empleadas por Polke son una revolución visual, destacando la coloración del soporte, muchas veces utiliza transparencias, que crea mediante la impregnación del lienzo o papel con resinas. Elementos, materiales y técnicas que poco tienen que ver con la pintura tradicional, utilizando pintura, barnices, pigmentos, lacas, telas estampadas, papel, en una sola obra.

Actualmente se expone una importante retrospectiva en el Kuntshalle de Hamburgo http://www.hamburger-kunsthalle.de/

Fotografía: obra de Sigmar Polke

vanitas

Los primeros cuadros de flores fueron pintados al reverso de los retratos, lo mismo que las primeras representaciones de calaveras, motivo que aparecerá después en una gran variedad de cuadros. En estos reversos se anticipa como símbolo del "mors absconditus"- el estado de descomposición que aguarda a todo mortal- el aspecto que un día ofrecerá la persona retratada en el lado anterior.

En todas las naturalezas muertas se muestra, de una manera más o menos manifiesta, el tema de la vanidad de las cosas, la queja sobre la fugacidad de la vida, simbolizadas a menudo mediante una calavera o un reloj, tal como en esta naturaleza muerta de Pieter Claesz, en la cual se añaden una copa volcada y una vela apagada símbolos del carácter efímero de los placeres humanos.

También es de señalar una velada crítica a la erudición de la cultura del libro. En la época en que fue pintado (1630), se producía una fuerte expansión del comercio de libros por Europa. La necesidad de plasmar en el libro los conocimientos, experiencias y pensamientos de la vida del individuo para inmortalizarlos, se enfrentaba a un enfoque religioso escéptico y reaccionario.

Fotografía: Obra de Pieter Claesz

instrumentos de música

Evaristo Baschenis, (Bérgamo 1607-1677), cómo otros pintores de la época, pintó sus temas de instrumentos musicales por encargo de aristócratas. Es posible suponer que muchos de sus cuadros, casi exclusivamente con instrumentos de cuerda, son retratos individuales de costosos instrumentos pertenecientes a su prominente clientela, como los que fueron fabricados en la ciudad de Cremona por la familia Amati. No obstante estos cuadros no son solamente un homenaje al altamente desarrollado arte cremonés en la fabricación de violines. Sus cuadros tienen un contenido simbólico. Junto con la alusión al oído, se relacionan con la tradición de la teoría musical que se remonta a la antigüedad.

Pitágoras ya había entendido las proporciones musicales, el principio del monocordio y la división de la cuerda como una ordenación numérica determinable ("numerus") que reflejaba la armonía del universo. Y en el tratado "De musica" de San Agustín, ampliamente divulgado en Italia desde su edición en Venecia en 1491, los tonos que perciben los sentidos, los "numeri sonantes" remiten a Dios como el "creador omnium"

Fotografía: obra de Evaristo Baschenis. El cuadro capta la sensación que se produce cuando los músicos han salido del salón después de concluir el concierto, abandonando instrumentos y partituras en un cierto desorden.

postres y dulces

Instrucciones sobre cómo se ha de servir un gran banquetea a la francesa : Octavo plato

El plato final del banquete consiste en diversos confites, tanto húmedos como secos, mazapanes, conservas y similares. Sobre los saleros y salvamanteles se colocan tallos de hinojos salpicados con mucha azúcar de color, con pequeños mondadientes, en algunas fuentes se ofrecerá pastelillos condimentados con almizcle y otras especies aromáticas. El cocinero deberá cambiar los platos por lo menos una vez que se sirvan nuevas viandas, y las servilletas cada dos veces.

Para la cultura gastronómica aristocrática, el postre significaba el cierre de los banquetes constituidos de seis, ocho y nueve platos. El interés hacia él, alcanzó su apogeo en la época en que fueron introducidos numerosos manjares como bienes suntuarios. La inclusión del azúcar trajo como consecuencia un cambio revolucionario en el gusto.

El azúcar, utilizada en un principio sólo con fines farmacéuticos, relevó a la miel como alimento y edulcorante, desde que la caña, exclusiva de las zonas tropicales, fuera cultivada para su exportación a Europa. La caña de azúcar se molía en las regiones de cultivo y su jugo espeso, se transportaba para su preparación en vasijas.

Fotografía: obra de Georg Flegel, donde se reproduce sobre el primer plano de una mesa frutas confitadas (como los higos de la derecha), con un burdo cristal de azúcar. Sobre una hogaza de pan se encuentra depositado un gran terrón de forma alargada, al que se acerca una abeja desproporcionadamente grande. En la fuente de loza, con ornamentos azules, se ven más frutas confitadas, recubiertas con azúcar en polvo. Es este un cuadro aparentemente superficial pero cargado de simbolismo y alusiones sacras, alegoría a la eucaristía por el pan y el vino, y la mariposa, que desde antiguo fue símbolo del alma y de la resurrección.

nature morte

El término naturaleza muerta aparece por primera vez en Holanda hacia 1650 en inventarios de cuadros, competía sin embargo con otras designaciones, cuadros con frutos, con flores, con libros, con instrumentos musicales, cuadros de refrigerios, etc. que determinaban las variantes especiales de naturalezas muertas. El término stilleven tomado del holandés, no significaba originariamente otra cosa que modelo inerte, naturaleza inmóvil.

Un siglo más tarde fue acuñado en Francia el concepto nature morte. Parece ser que se trataba de una palabra nueva, no utilizada hasta entonces, y que fue necesario explicar que se trataba de cosas inanimadas, de objetos inmóviles.


En las primeras escuelas de arte europeas, sus estatutos establecieron una jerarquía entre los géneros de pintura enseñados en ellas. Al género de la naturaleza muerta se le asignó el rango más bajo, ya que la mera reproducción de objetos inmóviles no correspondía a las ideas de dignidad y jerarquía consideradas como el carácter distintivo del arte, cuadros de historia, escenas bíblicas, retratos, (generalmente de gran formato).


Se recorrió un largo camino en el tiempo hasta que los tratadistas de arte aceptaran lo que tantos artistas ya habían expresado repetidamente en sus reflexiones: que desde el punto de vista técnico y estético no tiene importancia que objeto se pinte, trivial o sublime, el merito artístico es el mismo en ambos casos.

Fotografía: Bodegón de compromiso matrimonial obra de Henri Fantin Latour