Edvard Muhch

Edvard Munch

Recuerdo de infancia. Más allá de la puerta. 1891

Edvard Munch

Recuerdo de infancia. Junto a la cama de matrimonio. 1891

Edvard Munch

Espectros: escenas de familia.1920

Edvard Munch

La madre muerta y el niño. 1901

Munch representó constantemente seres macilentos y fisonomías vacías. Dos dibujos que acompañan su Diario en los años 1891-1892,  condensan ese efecto de despersonalización. Más allá de la puerta y Junto a la cama de matrimonio, evocan los últimos recuerdos que Munch conservaba de su madre: un paseo, y el momento en que ella informa a sus hijos de su muerte inminente. Unas anotaciones escritas acompañan a los dibujos. Laura Munch murió en diciembre de 1868, Edvard tenía entonces cinco años.

Más tarde el pintor vuelve a trazar de memoria el suceso traumático de su infancia. El Munch Museet conserva dos esbozos en tela que trasponen el motivo de Recuerdo de la infancia sobre tela. Munch no añade a los dibujos agrandados más que alguna pinceladas de color: briznas de hierba sobre el empedrado, tiras de cielo azul y manchas de sol sobre el suelo. En las caras y en los detalles de la calle ha conservado la indeterminación que corresponde a la fragilidad del recuerdo. Los cuadros quedaron inacabados.

Étienne-Martin

Étienne-Martin modeló una serie de esculturas de yeso (fundidas luego en bronce), tituladas Demeures (Moradas) La serie estaba inspirada en los recuerdos de la casa familiar. 

La casa, hábitat o habitáculo, es el lugar de vida, cuya apariencia exterior y fisonomía remiten a un interior. Las variaciones de Étienne- Martin sobre el recuerdo de su casa natal, (Loriol, en el Drôme), llamadas Demeures son el desarrollo de una idea del habitat como dibujo y recorrido de una biografía real e imaginaria.

El recuerdo de la casa materna se dotó de sentido, gracias al texto de Bachelard sobre el imaginario del hogar (la primera casa, amada u odiada, que marca, desde entonces, para bien o para mal, nuestra manera de seleccionar y ocupar las sucesivas casas por las que pasamos, y de habitarlas).

Por otra parte, los recuerdos de su estancia en un bunker, durante la Segunda Guerra Mundial, tras su liberación de un campo de concentración en 1941, asociaron formas opresivas a la que se une la extraña sensación de seguridad que proporcionaban.

Sus Moradas están compartimentadas, como los panales o castillos laberínticos. Recogidas sobre sí mismas, abiertas y cerradas al mismo tiempo, evocan formas orgánicas, cálidas y húmedas, pero también espacios atrincherados donde no es fácil desplazarse. El ciclo comprende una veintena de esculturas (dos de las cuales quedaron en proyecto), y en 1967  un Abecédaire le dio su nomenclatura. Étienne-Martin elaboró y repitió incansablemente el esquema de la casa de su infancia.

La casa es tripartita: "casa Norte" color azul, "casa Sur" rojo y "casa Este" verde. Un sistema de correspondencias atribuye un nombre a las veinticuatro piezas o espacios; (habitación de los pájaros, habitación del Levante, Alcoba del corazón, escalera del lucernario)...y vincula cada uno a una letra del alfabeto, a un año o periodo del artista, a una obra específica. 

Un trabajo llevado a cabo para superar una fascinación.

Étienne Martin en su taller (1913-1995)

¡feliz Navidad¡

    Mis deseos para que estos días de Navidad nos traigan a todos la esperanza de una vida mejor.

    pilar


     Ilustración: obra de Joseph-Siffride Duplessis (1725-1802)

Max Ernst - Dorothea Tanning

Max Ernst

Los artistas siempre han tratado de influenciar en sus biografías, Max Ernst fue más lejos. El mismo reunió los elementos de la suya y publicó una antología bajo el título de Escrituras. También produjo el relato de sus descubrimientos, (como dos revelaciones); "Mas allá de la pintura", donde relata la invención de los  procedimientos que introdujo en el surrealismo, frotagge: técnica en la que utiliza el sombreado a lápiz para transferir al papel  al lienzo, o a la superficie de un objeto, y el grattage en la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera.

Birthday, Dorothea Tanning

En 1937 la joven Dorothea Tanning, nacida en Galesburg (Illinois) en 1912 y formada en el Instituto de Arte de Chicago, vivió un acontecimiento que tuvo una importancia radical en su vida: la visita a la mítica exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Arte fantástico, dadá y surrealista; le causó un impacto tal que decidió trasladarse a París después de haber conseguido cartas de presentación para destacados miembros de las vanguardias artísticas.

Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, de regreso a Nueva York, empezó a trabajar con el marchante y amigo de los surrealistas Julian Levy, en cuya conocida galería expuso algunas de sus obras que ya empezaban a adoptar esas formas surrealizantes que caracterizarían su carrera posterior. De hecho, en 1942 pintó uno de sus cuadros más conocidos, Cumpleaños, un curioso autorretrato en el cual, vestida con un atuendo teatral que deja parte de su cuerpo al descubierto, aparece en un espacio de ensueño; puertas que se abren al infinito y acurrucado a sus pies, un animal con significaciones teosóficas nos recuerda el interés de la artista por lo inasible: "Mis sueños", escribía años después, "surgen de objetos que no tienen equivalentes en el diccionario". Se trataba de su segundo o tercer cuadro bajo la influencia del surrealismo, y se expondría en la muestra de mujeres en la galería de la marchante y coleccionista de arte Peggy Guggenheim, Art of this Century.

Ese mismo año, Max Ernst, al que había buscado en vano en París, visitaba a Tanning en su estudio y se quedaba fascinado frente a Cumpleaños,  poco más tarde contraen matrimonio, hasta 1976, fecha en la que murió Ernst.

Nacida en un ambiente puritano, cultivó su fantasía desde niña, luchó contra lo claustrofóbico a través de lecturas de autores como Oscar Wilde, Lewis Carroll o Hans Christian Andersen. Esa pasión por la literatura le lleva en la última etapa de su vida a compaginar la pintura con la poesía, publicando poco antes de morir Comming of that.

                                                              Max Ernst y Dorothea Tanning

"Una pintura es un hecho inseparable de la biografía del artista. La pintura en sí es un momento clave en la mixtura adulterada de su vida, ya entendamos por "momento" los minutos reales que llevan manchar el lienzo, ya sea la totalidad de la duración de un lúcido drama realizado en el lenguaje de signos. El acto de pintar se impregna de la misma sustancia metafísica que la existencia del artista . La nueva pintura ha roto toda distinción entre el arte y la vida".

Harold Rosenberg, 1952 

Alberto Giacometti

"Solo indirectamente puedo hablar de mis esculturas y solo parcialmente decir lo que las ha motivado.
Una vez construido el objeto, tengo tendencia a encontrar en él transformados y desplazados, imágenes, impresiones, hechos que me han conmovido profundamente ( a menudo sin yo saberlo), formas que siento que me son muy cercanas, aunque a menudo sea incapaz de indentificarlas, lo cual siempre me las vuelve más turbadoras."

Alberto Giacometti en 1933, comentando uno de sus objetos,Le Palais à quatre heures du matin [El Palacio a las cuatro de la mañana 1932] 

Antonin Artaud

Allí donde otros proponen obras yo no pre- 

tendo otra cosa que mostrar mi espíritu. 

 La vida es un consumirse en preguntas. 

 No concibo la obra como separada de la vida. 

 No amo la creación separada. No concibo tam- 

poco el espíritu separado de sí mismo. Cada una 

de mis obras, cada uno de los planes de mí mis- 

mo, cada una de las floraciones heladas de mi 

vida interior echa su baba sobre mí. 

 Me reconozco tanto en una carta escrita para 

explicar el encogimiento íntimo de mi ser y la 

castración insensata de mi vida, como en un 

ensayo exterior a mí mismo, y que aparece en 

mí como un engendro indiferente de mi es- 

píritu. 

 Sufro que el Espíritu no esté en la vida y que 

la vida no esté en el Espíritu, sufro del Espíritu- 

órgano, del Espíritu-traducción, o del Espíritu- 

intimidación-de-las-cosas para hacerlas entrar 

en el Espíritu. 

 Yo pongo este libro suspendido en la vida, de- 

seo que sea mordido por las cosas exteriores y 

antes que nada por todos los sobresaltos en ace- 

cho, todas las oscilaciones de mi yo por venir. 

 Todas estas páginas se arrastran como tém- 

panos en el espíritu. Disculpen mi absoluta 

libertad. Me rehuso a hacer diferencias entre 

cada uno de los minutos de mí mismo. No re- 

conozco el espíritu planificado. [...]

El ombligo de los LImbos. Antonin Artaud.

http://bilboquet.es/documentos/Artaud,%20Antonin%20-%20El%20Ombligo%20De%20Los%20Limbos.pdf

Fotografía: Autorretrato, Antonin Artaud.

Charles Meryon

Charles Meryon es el tipo consumado de artista realista-fantástico. En su obra elige la descripción exacta, pero  sus vistas se hallan atormentadas por el sentimiento dramático de desarraigo en su villa natal, de vivir en un lugar y un tiempo de discordia y alienación, quizá ligado este sentimiento a su propia biografía: Preocupado siempre por su bastardía, era hijo natural de una bailarina de la Ópera de París y de un médico inglés. Concebido en Londres, nacido y criado en París por su madre, llevó en su juventud el apellido de teatro de ella, Gentil; su padre vivía en Londres donde había formado otra familia. No descubrió las circunstancias de su nacimiento hasta 1837 con motivo de su inscripción en la Escuela Naval, lo que produjo en él un choque violento. Perdió a su madre a la edad de 16 años, sufrió la distancia del padre y se sintió amenazado tanto en su vida como en sus derechos de autor por la familia paterna.
Meryon fue marino antes que artista. Su primer proyecto de libro concernió a un largo viaje por el Pacifico (1842-1846), formándose como grabador para poder producir las imágenes que debían ilustrar la obra. El proyecto no llegó a término, y a partir de 1850 comienza, Las vistas de París. 
Meryon ignora la ciudad moderna, los bulevares y teatros, las estructuras de cristal; se concentra en el corazón de la Villa (la Île de la Cité). Pero introduce motivos extravagantes y exóticos que junto a los poemas grabados que acompañan a las planchas, evidenciam un notable delirio de interpretación. Su paranoia es la réplica a la locura de Nerval.

Charles Meryon. Le Petit Pont, plancha II 1850

Charles Meryon. Le Stryge.

Charles Meryon. La Morgue. Plancha XI 1854

Charles Meryon. Le Pont-au-Change. Plancha X 1854

                  
               Charles Meryon. Ancienne porte du Palais de Justice 1854

               Leopol Flameng. Retrato del grabador Charles Meryon. 1858

Meryon estuvo internado en el hospicio de Charenton en mayo de 1859 a agosto de 1859, y de nuevo, en octubre de 1866. Murió allí el 14 de febrero de 1868, a la edad de cuarenta y siete años.