Edvard Muhch

Edvard Munch

Recuerdo de infancia. Más allá de la puerta. 1891

Edvard Munch

Recuerdo de infancia. Junto a la cama de matrimonio. 1891

Edvard Munch

Espectros: escenas de familia.1920

Edvard Munch

La madre muerta y el niño. 1901

Munch representó constantemente seres macilentos y fisonomías vacías. Dos dibujos que acompañan su Diario en los años 1891-1892,  condensan ese efecto de despersonalización. Más allá de la puerta y Junto a la cama de matrimonio, evocan los últimos recuerdos que Munch conservaba de su madre: un paseo, y el momento en que ella informa a sus hijos de su muerte inminente. Unas anotaciones escritas acompañan a los dibujos. Laura Munch murió en diciembre de 1868, Edvard tenía entonces cinco años.

Más tarde el pintor vuelve a trazar de memoria el suceso traumático de su infancia. El Munch Museet conserva dos esbozos en tela que trasponen el motivo de Recuerdo de la infancia sobre tela. Munch no añade a los dibujos agrandados más que alguna pinceladas de color: briznas de hierba sobre el empedrado, tiras de cielo azul y manchas de sol sobre el suelo. En las caras y en los detalles de la calle ha conservado la indeterminación que corresponde a la fragilidad del recuerdo. Los cuadros quedaron inacabados.

Étienne-Martin

Étienne-Martin modeló una serie de esculturas de yeso (fundidas luego en bronce), tituladas Demeures (Moradas) La serie estaba inspirada en los recuerdos de la casa familiar. 

La casa, hábitat o habitáculo, es el lugar de vida, cuya apariencia exterior y fisonomía remiten a un interior. Las variaciones de Étienne- Martin sobre el recuerdo de su casa natal, (Loriol, en el Drôme), llamadas Demeures son el desarrollo de una idea del habitat como dibujo y recorrido de una biografía real e imaginaria.

El recuerdo de la casa materna se dotó de sentido, gracias al texto de Bachelard sobre el imaginario del hogar (la primera casa, amada u odiada, que marca, desde entonces, para bien o para mal, nuestra manera de seleccionar y ocupar las sucesivas casas por las que pasamos, y de habitarlas).

Por otra parte, los recuerdos de su estancia en un bunker, durante la Segunda Guerra Mundial, tras su liberación de un campo de concentración en 1941, asociaron formas opresivas a la que se une la extraña sensación de seguridad que proporcionaban.

Sus Moradas están compartimentadas, como los panales o castillos laberínticos. Recogidas sobre sí mismas, abiertas y cerradas al mismo tiempo, evocan formas orgánicas, cálidas y húmedas, pero también espacios atrincherados donde no es fácil desplazarse. El ciclo comprende una veintena de esculturas (dos de las cuales quedaron en proyecto), y en 1967  un Abecédaire le dio su nomenclatura. Étienne-Martin elaboró y repitió incansablemente el esquema de la casa de su infancia.

La casa es tripartita: "casa Norte" color azul, "casa Sur" rojo y "casa Este" verde. Un sistema de correspondencias atribuye un nombre a las veinticuatro piezas o espacios; (habitación de los pájaros, habitación del Levante, Alcoba del corazón, escalera del lucernario)...y vincula cada uno a una letra del alfabeto, a un año o periodo del artista, a una obra específica. 

Un trabajo llevado a cabo para superar una fascinación.

Étienne Martin en su taller (1913-1995)

¡feliz Navidad¡

    Mis deseos para que estos días de Navidad nos traigan a todos la esperanza de una vida mejor.

    pilar


     Ilustración: obra de Joseph-Siffride Duplessis (1725-1802)

Max Ernst - Dorothea Tanning

Max Ernst

Los artistas siempre han tratado de influenciar en sus biografías, Max Ernst fue más lejos. El mismo reunió los elementos de la suya y publicó una antología bajo el título de Escrituras. También produjo el relato de sus descubrimientos, (como dos revelaciones); "Mas allá de la pintura", donde relata la invención de los  procedimientos que introdujo en el surrealismo, frotagge: técnica en la que utiliza el sombreado a lápiz para transferir al papel  al lienzo, o a la superficie de un objeto, y el grattage en la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera.

Birthday, Dorothea Tanning

En 1937 la joven Dorothea Tanning, nacida en Galesburg (Illinois) en 1912 y formada en el Instituto de Arte de Chicago, vivió un acontecimiento que tuvo una importancia radical en su vida: la visita a la mítica exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Arte fantástico, dadá y surrealista; le causó un impacto tal que decidió trasladarse a París después de haber conseguido cartas de presentación para destacados miembros de las vanguardias artísticas.

Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, de regreso a Nueva York, empezó a trabajar con el marchante y amigo de los surrealistas Julian Levy, en cuya conocida galería expuso algunas de sus obras que ya empezaban a adoptar esas formas surrealizantes que caracterizarían su carrera posterior. De hecho, en 1942 pintó uno de sus cuadros más conocidos, Cumpleaños, un curioso autorretrato en el cual, vestida con un atuendo teatral que deja parte de su cuerpo al descubierto, aparece en un espacio de ensueño; puertas que se abren al infinito y acurrucado a sus pies, un animal con significaciones teosóficas nos recuerda el interés de la artista por lo inasible: "Mis sueños", escribía años después, "surgen de objetos que no tienen equivalentes en el diccionario". Se trataba de su segundo o tercer cuadro bajo la influencia del surrealismo, y se expondría en la muestra de mujeres en la galería de la marchante y coleccionista de arte Peggy Guggenheim, Art of this Century.

Ese mismo año, Max Ernst, al que había buscado en vano en París, visitaba a Tanning en su estudio y se quedaba fascinado frente a Cumpleaños,  poco más tarde contraen matrimonio, hasta 1976, fecha en la que murió Ernst.

Nacida en un ambiente puritano, cultivó su fantasía desde niña, luchó contra lo claustrofóbico a través de lecturas de autores como Oscar Wilde, Lewis Carroll o Hans Christian Andersen. Esa pasión por la literatura le lleva en la última etapa de su vida a compaginar la pintura con la poesía, publicando poco antes de morir Comming of that.

                                                              Max Ernst y Dorothea Tanning

"Una pintura es un hecho inseparable de la biografía del artista. La pintura en sí es un momento clave en la mixtura adulterada de su vida, ya entendamos por "momento" los minutos reales que llevan manchar el lienzo, ya sea la totalidad de la duración de un lúcido drama realizado en el lenguaje de signos. El acto de pintar se impregna de la misma sustancia metafísica que la existencia del artista . La nueva pintura ha roto toda distinción entre el arte y la vida".

Harold Rosenberg, 1952 

Alberto Giacometti

"Solo indirectamente puedo hablar de mis esculturas y solo parcialmente decir lo que las ha motivado.
Una vez construido el objeto, tengo tendencia a encontrar en él transformados y desplazados, imágenes, impresiones, hechos que me han conmovido profundamente ( a menudo sin yo saberlo), formas que siento que me son muy cercanas, aunque a menudo sea incapaz de indentificarlas, lo cual siempre me las vuelve más turbadoras."

Alberto Giacometti en 1933, comentando uno de sus objetos,Le Palais à quatre heures du matin [El Palacio a las cuatro de la mañana 1932] 

Antonin Artaud

Allí donde otros proponen obras yo no pre- 

tendo otra cosa que mostrar mi espíritu. 

 La vida es un consumirse en preguntas. 

 No concibo la obra como separada de la vida. 

 No amo la creación separada. No concibo tam- 

poco el espíritu separado de sí mismo. Cada una 

de mis obras, cada uno de los planes de mí mis- 

mo, cada una de las floraciones heladas de mi 

vida interior echa su baba sobre mí. 

 Me reconozco tanto en una carta escrita para 

explicar el encogimiento íntimo de mi ser y la 

castración insensata de mi vida, como en un 

ensayo exterior a mí mismo, y que aparece en 

mí como un engendro indiferente de mi es- 

píritu. 

 Sufro que el Espíritu no esté en la vida y que 

la vida no esté en el Espíritu, sufro del Espíritu- 

órgano, del Espíritu-traducción, o del Espíritu- 

intimidación-de-las-cosas para hacerlas entrar 

en el Espíritu. 

 Yo pongo este libro suspendido en la vida, de- 

seo que sea mordido por las cosas exteriores y 

antes que nada por todos los sobresaltos en ace- 

cho, todas las oscilaciones de mi yo por venir. 

 Todas estas páginas se arrastran como tém- 

panos en el espíritu. Disculpen mi absoluta 

libertad. Me rehuso a hacer diferencias entre 

cada uno de los minutos de mí mismo. No re- 

conozco el espíritu planificado. [...]

El ombligo de los LImbos. Antonin Artaud.

http://bilboquet.es/documentos/Artaud,%20Antonin%20-%20El%20Ombligo%20De%20Los%20Limbos.pdf

Fotografía: Autorretrato, Antonin Artaud.

Charles Meryon

Charles Meryon es el tipo consumado de artista realista-fantástico. En su obra elige la descripción exacta, pero  sus vistas se hallan atormentadas por el sentimiento dramático de desarraigo en su villa natal, de vivir en un lugar y un tiempo de discordia y alienación, quizá ligado este sentimiento a su propia biografía: Preocupado siempre por su bastardía, era hijo natural de una bailarina de la Ópera de París y de un médico inglés. Concebido en Londres, nacido y criado en París por su madre, llevó en su juventud el apellido de teatro de ella, Gentil; su padre vivía en Londres donde había formado otra familia. No descubrió las circunstancias de su nacimiento hasta 1837 con motivo de su inscripción en la Escuela Naval, lo que produjo en él un choque violento. Perdió a su madre a la edad de 16 años, sufrió la distancia del padre y se sintió amenazado tanto en su vida como en sus derechos de autor por la familia paterna.
Meryon fue marino antes que artista. Su primer proyecto de libro concernió a un largo viaje por el Pacifico (1842-1846), formándose como grabador para poder producir las imágenes que debían ilustrar la obra. El proyecto no llegó a término, y a partir de 1850 comienza, Las vistas de París. 
Meryon ignora la ciudad moderna, los bulevares y teatros, las estructuras de cristal; se concentra en el corazón de la Villa (la Île de la Cité). Pero introduce motivos extravagantes y exóticos que junto a los poemas grabados que acompañan a las planchas, evidenciam un notable delirio de interpretación. Su paranoia es la réplica a la locura de Nerval.

Charles Meryon. Le Petit Pont, plancha II 1850

Charles Meryon. Le Stryge.

Charles Meryon. La Morgue. Plancha XI 1854

Charles Meryon. Le Pont-au-Change. Plancha X 1854

                  
               Charles Meryon. Ancienne porte du Palais de Justice 1854

               Leopol Flameng. Retrato del grabador Charles Meryon. 1858

Meryon estuvo internado en el hospicio de Charenton en mayo de 1859 a agosto de 1859, y de nuevo, en octubre de 1866. Murió allí el 14 de febrero de 1868, a la edad de cuarenta y siete años.

Claude Cahun y Gérard Nerval

Fotografía: Claude Cahun. Autorretrato de 1928.

Con el cráneo rasurado aparece de frente y de perfil. Claude Cahun había elegido llevar un nombre andrógino y el apellido de su abuela paterna, al tiempo que acentuaba en sus retratos el parecido paterno; trató de extraer en la diferencia de los sexos un tercer género neutro, combinando los dos límites de su genealogía.Los autorretratos de Cahun, seudónimo de Lucy Schwob (Nantes 1894-1954) tienen una enorme fuerza.  Ayudada por su compañera Marcel Moore, seudónimo, de Suzanne Malherbe, se retrataba casi a diario en diferentes poses y atuendos, reinventando su identidad -"¿Qué quieres de mi?"- en un juego continuo de metamorfosis.

Fotografía: Frontispicio del libro de Eûgene de Mirecourt, Gérard de Nerval (París 1854), ornamentado con un grabado según daguerotipo de Adolphe Legros y manuscrito por Nerval.

Nerval desconfiaba del parecido fotográfico de la misma manera que desconfiaba del realismo en la literatura. Uno y otro debían ser alterados, enmendados, transfigurados incluso.
Cuando un joven, amante de los libros le había mostrado el ejemplar que acababa de aquirir, Nerval se lo llevó y lo delvovió al día siguiente a su propietario. Horrorizado al reconocer en su efigie los signos de la depresión, Nerval hizo varias anotaciones que pueden leerse en el frontispicio del libro:  "Cigne allemand/ feu.G_rare".  [Cisne alemán (fonéticamente en francés: signalement-fisonomía) /difunto,( también fuego). G: (fonéticamente geai-arrendajo). G_raro, fonéticamente Gérard "], aumentado con el dibujo de un pájaro en una jaula, bajo el retrato, y bajo la inscripción grabada "GÉRARD DE NERVAL", la inscripción "Yo soy el otro" precedida de un signo o un punto de interrogación y seguida de una estrella de seis brazos punteada en su centro.

Dice Théophile Gautier: “Con las primeras luces de un alba fría y gris un cuerpo había sido hallado en la calle de la Vieille-Lanterne, colgado de los barrotes de un tragaluz, ante la reja de un albañal, sobre los peldaños de una escalera donde brincaba lúgubremente un cuervo familiar que parecía graznar, como el cuervo de Edgar Poe: Never, oh, never more! Ese cuerpo era el de Gérard de Nerval, mi amigo de la niñez y del colegio, mi colaborador en La Presse y el fiel compañero de mis buenos y aún más de mis malos días, a quien tuve que ir a reconocer, incrédulo, llenos de lágrimas los ojos, sobre el pavimento viscoso de los fondos de la Morgue”.Fotografía: Gustave Doré. La Rue de la Vieille Lanterne. La Mort de Gérard Nerval

FORMAS BIOGRÁFICAS

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, presenta la exposición Formas Biográficas en el arte moderno, con el objetivo de examinar los diversos modos en que los artistas de la modernidad han encarado el complejo dilema de pensar y recrear su propia vida.

La exposición se adentra de manera profunda y sutil en aquellos artistas que a lo largo del siglo XX han utilizado diversas herramientas para narrar su propia historia. En ocasiones las obras nos hablan de una realidad histórica, en otras se adentran en el terreno de la invención, pero siempre se analiza la biografía como una construcción, concepto fundamental  en el arte de la modernidad.

La exposición incorpora pintura, escultura, instalación, fotografía, extractos de películas y un abundante material documental (publicaciones de la época, cartas y manuscritos), un conjunto de obras que generan relatos diversos; luminosos y apasionantes en unos casos, oscuros y herméticos en otros, pero siempre cargados de sentido acerca  de la trayectoria vital del artista.

El tradicional esquema de "vida y obra" del artista que ha prevalecido durante siglos, no está agotado, los artistas no han dejado de adherirse a él, sin embargo esta exposición pone de manifiesto que este modelo de relato puede abordarse desde un horizonte distinto; el trabajo biográfico se basa en documentos y el autobiográfico en la memoria personal y también en el ámbito de la ficción. 

Esta exposición cobra pleno sentido al presentarse como la materialización de una nueva tesis a debate en el mundo del arte, y permite al público disfrutar de una selección de artistas que dibujan otro siglo XX. No se la pierdan.




Fotografía: Sin título. Martin Kippenberger. 1988.

Mandela vs concertinas

Mandela,  alentaba la tolerancia y mantenía la dignidad del ser humano por encima de todo en el camino de reconciliación y de paz, sin agresividad ni violencia. 

Puedo imaginar sin dificultad, a nuestros hipócritas políticos, sujentando con una mano la lista de elogios sobre Mandela preparada para la ocasión por  la secretaria de turno, y con la otra, sostener y no enmendar la orden de instalación y mantenimiento de la valla de las concertinas en  Melilla contra el hambre y la desesperación de seres humanos desfavorecidos que intentan salvarla para buscar una vida mejor.


Si el hombre pudiera decir lo que ama,
Si el hombre pudiera levantar su amor por el cielo
Como una nube en la luz;
Si como muros que se derrumban,
Para saludar la verdad erguida en medio,
Pudiera derrumbar su cuerpo, dejando sólo la verdad de su amor,
La verdad de si mismo,
Que no se llama gloria, fortuna o ambición,
Sino amor o deseo,
Yo sería aquel que imaginaba;
Aquel que con su lengua, sus ojos y sus manos
Proclama ante los hombres la verdad ignorada,
La verdad de su amor verdadero (...)

Luis Cernuda



Fotografía: composición, Bbb. Material cortante, del que están fabricadas las vallas de Melilla.

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¡cosas de patos¡

853 a 964: -¡Cara que tienen los tíos¡

964 a 853: -¡No me digas nada¡, ¡a buenas horas alas verdes¡

853 a 964:- ¡a ver si se creen que ahora nos importa un huevo¡

964 a 853: -y que lo digas, .- ¡que yo no sabía nada, que me enteré por la prensa, que luego pensé, que luego dije,  que ellos me dijeron, que Botín me llamó, que la Angela por el teléfono rojo, que no me quedó más remedio que decidirme antes del telediario, que yo no quería¡...¡pajas mentales¡, más les valía haberlo contado en su momento, entonces si nos hubiera interesado¡

Pato mareao (entrando en escena)a 964 y a 853:- ¿no iréis a pensar que lo escriben ellos¡?

964 y 853 (al unísono) a Pato Mareao: - ¡Cua, cua!,  ni de coña¡, tienen un negro subsahariano cada uno, de los que indultan de las concertinas por Navidad. 

Pato Mareao a 964 y 853: -curioso, el Obama, lo que ha indultao es un pavo para Acción de Gracias...

853 a Pato Mareao y a 964:.- más le valía indultar a un preso de los que tienen a cientos  en los corredores de la muerte...

964 a 853 y a Pato Mareao:.- Eso mismo digo yo...

853 a 964 y a Pato Mareao.- Bueno, a lo que iba, ¿vais a comprar alguna de las  memorias de los excelsos ex mandatarios, cabezas pensantes de la Nación..?.

964 (cabreao):- ¡ni de coña¡

Pato Mareao (pensativo) a 853 y a 964 :- ...yo compraré una para mi madre, la que me pilla más cerca del ala, que me han dicho que son pico de santo para el insonmio...

853 a Pato Mareao:- pues no es mala idea... yo esperaré a las rebajas y cogeré la que mejor esté al kilo... 

964 :-¡¡¡país¡¡¡

853 a 964:- ¡tira, vamos a nadar un rato¡





Texto: Transcripción íntegra y literal, de una de patos



Fotografía: pfp

erase una vez, un sultán

Qabus bin Said,(1940) Sultán de Omán. Decimocuarto descendiente de la dinastía reinante de la familia Albusai, hijo del monarca Said bin Taimur.

Qabus terminó sus estudios de bachillerato en Gran Bretaña, en el colegio privado Suffolk y en 1960 ingresó en la Academia Militar Británica de Sandhurst. Al término de sus estudios castrenses fue destinado en un regimiento escocés en la República Federal de Alemania y como heredero de la corona viajó  por toda Europa y America del Norte.

Al regresar al Sultanato y a consecuencia de su crítica y enfrentamiento a la política de su padre, es recluido en el   palacio de Salalah, donde se le obliga el estudio del Corán. Después de seis años, en los que gracias a su madre y a los programas de la BBC no deja de estar al tanto de los acontecimientos mundiales, en 1970 y tras un golpe de Estado apoyado por el propio Qabus, el padre es obligado a abdicar en favor de su hijo. Así Qabus accede al trono a los 29 años e inicia un proceso de modernización total del sultanato. Su padre muere en Londres en 1972.

En 1976 se casa con Kamilah, heredera de su tío Tareqsin Taimur, pero se divorcia sin tener descendencia.

En 1980 firma un tratado militar con EE UU y en 1990 logra un acuerdo con la República Democrática Popular del Yemén para poner final al contencioso sobre la demarcación de las fronteras. En 1985 celebra en todo el país el decimoquinto aniversario de su designación en el poder.

Desde sus cargos de Primer Ministro y ministro de Asuntos Exteriores, Defensa y Finanzas, ha sido y es el gran artífice de la modernización de Omán, que goza de  una renta per cápita de 7000 dólares y un PIB de 6440 millones de dólares. Otros sectores en los que se pone de manifiesto su actuación son la Educación, donde se ha pasado de 900 plazas escolares a 165.000, y la Sanidad de 12 camas hospitalarias a 1750.

Fotografías: pfp. Edificio de la ópera de Muscat. El sultan Qabus, gran aficionado a la ópera, ordena  en 2001 la construcción de este lujoso edificio, que refleja como ninguno, la arquitectura omaní contemporánea. Adornado de magníficos jardines, alberga una gran sala de representación  para 1.110 espectadores, equipada con la más alta tecnología, sala ce conciertos, y una gran galería con lujosas tiendas y restaurantes. Fue inaugurada en octubre de 2011 con una representación de Turandot, dirigida por Plácido Domingo.

Agrippina

Agrippina, ópera de juventud de Georg Friedrich Haendel. Estrenada con gran éxito en Venecia en 1709, escrita a finales de su estancia en Italia, y con un gran libreto de Vicenzo Grimani
La ópera utiliza un argumento basado en un episodio de la historia de Roma. La protagonista, Agrippina, casada con el emperador Claudio, vive obsesionada por conseguir que el esposo nombre a Nerone, hijo suyo de un anterior matrimonio, heredero del trono imperial.
Las intrigas implican  a dos poderosos libertos de Claudio, Narciso y Pallante, y a la ambiciosa y atractiva Poppea. 
Agrippina y Poppea, verdaderas protagonistas del drama derrochan rivalidad, 
astucia y maldad para conseguir sus fines. 

"En ese pequeño teatro de locuras humanas, la ambición la concupiscencia y la hipocresía, dos mujeres se llevan la mejor parte: La astuta Agrippina y la voluptuosa Poppea, dúo de prime donne que se disputan el dominio del juego; ambas rivalizan con armas vocales iguales aunque disponen de ventajas psicológicas bien distintas. De su batalla campal por hombres interpuestos, la virilidad de los héroes masculinos no sale poco lastimada: simples peones en el tablero, primero de una y luego de la otra, mercenarios, dóciles perritos, mártires o bobalicones, son todos -y cada cual a su modo- títeres miopes, impotentes y manipulables. Tras la contienda política y los desencuentros amorosos, la cuestión más importante de Agrippina es tal vez, por encima de todo, una historia de rivalidad femenina."

Virginie Schaffer-Kasriel  (L´Avant Scène Opéra, nº 216)


Agrippina, está siendo representada en el Gran Teatro del Liceu de Barcelona, con gran éxito de voces y orquesta, y una extraordinaria dirección de escena de David McVicar. Coproducción del Teatro Royal de la Monnaie (Bruselas)y Teatro des Champs Elysées (Paris)


Fotografía: pfp

Yo, Mahoma

Yo, Mahoma, afirmé que el mundo en el principio de su creación , había sufrido las sacudidas de un temblor tan fuerte, que Dios tuvo que colocar encima de él las montañas a fin de reforzarlo. Mis palabras fueron las siguientes:

"Preguntaron los ángeles: " ¡Oh, Dios¡ ¿existe en tu Creación alguna cosa más fuerte que las montañas?" Y Dios respondió: "Sí, el hierro es más fuerte que las montañas, pues las puede romper". Preguntaron los ángeles: " ¡Oh, Dios¡ ¿Existe en tu Creación algo más fuerte que el hierro?." Y Dios respondió : Sí, el fuego es más fuerte que el hierro, pues lo puede fundir." Preguntaron los ángeles: ¡Oh, defensor nuestro¡ ?¿Existe en tu creación algo más fuerte que el fuego?" Respondió Dios, : "Sí, el agua supera al fuego, pues lo apaga y convierte en frío." Entonces preguntaron los ángeles: "¡Oh Dios¡ ¿Existe en tu creación alguna cosa más fuerte que el agua?" Y respondió Dios: "Sí, el viento vence al agua, pues la pone en movimiento." Preguntaron los ángeles: "¡Oh Protector nuestro¡ ¿Existe en tu Creación alguna cosa más fuerte que el viento?" Y Dios respondió: "Sí los hijos de Adán, cuando con la mano derecha dan una limosna sin que se entere la izquierda, ello, lo supera todo."

Yo, Mahoma. José Maria Gironella

Fotografía: pfp. Cúpula central y linterna, de la Gran Mezquita del Sultan QABOOS. Muscate, Oman

MUTRAH SOUQ

Entrada al zoco de Mutrah, en Muscate, capital de Omán

Avenida principal

plaza y eje central  del zoco

tarántulas autóctonas 

un zoo de bronces

astrolabios

vidriera cenital

no todo son tesoros de Alí Babá

en cualquier sitio puede crecer un jardín

y a la salida del laberinto oscuro, el sol duele.

Fotografías: Zoco  de Mutrah y alrededores, barrio de Muscate, capital de Oman. pfp