Max Ernst - Dorothea Tanning

Max Ernst

Los artistas siempre han tratado de influenciar en sus biografías, Max Ernst fue más lejos. El mismo reunió los elementos de la suya y publicó una antología bajo el título de Escrituras. También produjo el relato de sus descubrimientos, (como dos revelaciones); "Mas allá de la pintura", donde relata la invención de los  procedimientos que introdujo en el surrealismo, frotagge: técnica en la que utiliza el sombreado a lápiz para transferir al papel  al lienzo, o a la superficie de un objeto, y el grattage en la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera.

Birthday, Dorothea Tanning

En 1937 la joven Dorothea Tanning, nacida en Galesburg (Illinois) en 1912 y formada en el Instituto de Arte de Chicago, vivió un acontecimiento que tuvo una importancia radical en su vida: la visita a la mítica exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York, Arte fantástico, dadá y surrealista; le causó un impacto tal que decidió trasladarse a París después de haber conseguido cartas de presentación para destacados miembros de las vanguardias artísticas.

Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, de regreso a Nueva York, empezó a trabajar con el marchante y amigo de los surrealistas Julian Levy, en cuya conocida galería expuso algunas de sus obras que ya empezaban a adoptar esas formas surrealizantes que caracterizarían su carrera posterior. De hecho, en 1942 pintó uno de sus cuadros más conocidos, Cumpleaños, un curioso autorretrato en el cual, vestida con un atuendo teatral que deja parte de su cuerpo al descubierto, aparece en un espacio de ensueño; puertas que se abren al infinito y acurrucado a sus pies, un animal con significaciones teosóficas nos recuerda el interés de la artista por lo inasible: "Mis sueños", escribía años después, "surgen de objetos que no tienen equivalentes en el diccionario". Se trataba de su segundo o tercer cuadro bajo la influencia del surrealismo, y se expondría en la muestra de mujeres en la galería de la marchante y coleccionista de arte Peggy Guggenheim, Art of this Century.

Ese mismo año, Max Ernst, al que había buscado en vano en París, visitaba a Tanning en su estudio y se quedaba fascinado frente a Cumpleaños,  poco más tarde contraen matrimonio, hasta 1976, fecha en la que murió Ernst.

Nacida en un ambiente puritano, cultivó su fantasía desde niña, luchó contra lo claustrofóbico a través de lecturas de autores como Oscar Wilde, Lewis Carroll o Hans Christian Andersen. Esa pasión por la literatura le lleva en la última etapa de su vida a compaginar la pintura con la poesía, publicando poco antes de morir Comming of that.

                                                              Max Ernst y Dorothea Tanning

"Una pintura es un hecho inseparable de la biografía del artista. La pintura en sí es un momento clave en la mixtura adulterada de su vida, ya entendamos por "momento" los minutos reales que llevan manchar el lienzo, ya sea la totalidad de la duración de un lúcido drama realizado en el lenguaje de signos. El acto de pintar se impregna de la misma sustancia metafísica que la existencia del artista . La nueva pintura ha roto toda distinción entre el arte y la vida".

Harold Rosenberg, 1952 

Alberto Giacometti

"Solo indirectamente puedo hablar de mis esculturas y solo parcialmente decir lo que las ha motivado.
Una vez construido el objeto, tengo tendencia a encontrar en él transformados y desplazados, imágenes, impresiones, hechos que me han conmovido profundamente ( a menudo sin yo saberlo), formas que siento que me son muy cercanas, aunque a menudo sea incapaz de indentificarlas, lo cual siempre me las vuelve más turbadoras."

Alberto Giacometti en 1933, comentando uno de sus objetos,Le Palais à quatre heures du matin [El Palacio a las cuatro de la mañana 1932] 

Antonin Artaud

Allí donde otros proponen obras yo no pre- 

tendo otra cosa que mostrar mi espíritu. 

 La vida es un consumirse en preguntas. 

 No concibo la obra como separada de la vida. 

 No amo la creación separada. No concibo tam- 

poco el espíritu separado de sí mismo. Cada una 

de mis obras, cada uno de los planes de mí mis- 

mo, cada una de las floraciones heladas de mi 

vida interior echa su baba sobre mí. 

 Me reconozco tanto en una carta escrita para 

explicar el encogimiento íntimo de mi ser y la 

castración insensata de mi vida, como en un 

ensayo exterior a mí mismo, y que aparece en 

mí como un engendro indiferente de mi es- 

píritu. 

 Sufro que el Espíritu no esté en la vida y que 

la vida no esté en el Espíritu, sufro del Espíritu- 

órgano, del Espíritu-traducción, o del Espíritu- 

intimidación-de-las-cosas para hacerlas entrar 

en el Espíritu. 

 Yo pongo este libro suspendido en la vida, de- 

seo que sea mordido por las cosas exteriores y 

antes que nada por todos los sobresaltos en ace- 

cho, todas las oscilaciones de mi yo por venir. 

 Todas estas páginas se arrastran como tém- 

panos en el espíritu. Disculpen mi absoluta 

libertad. Me rehuso a hacer diferencias entre 

cada uno de los minutos de mí mismo. No re- 

conozco el espíritu planificado. [...]

El ombligo de los LImbos. Antonin Artaud.

http://bilboquet.es/documentos/Artaud,%20Antonin%20-%20El%20Ombligo%20De%20Los%20Limbos.pdf

Fotografía: Autorretrato, Antonin Artaud.

Charles Meryon

Charles Meryon es el tipo consumado de artista realista-fantástico. En su obra elige la descripción exacta, pero  sus vistas se hallan atormentadas por el sentimiento dramático de desarraigo en su villa natal, de vivir en un lugar y un tiempo de discordia y alienación, quizá ligado este sentimiento a su propia biografía: Preocupado siempre por su bastardía, era hijo natural de una bailarina de la Ópera de París y de un médico inglés. Concebido en Londres, nacido y criado en París por su madre, llevó en su juventud el apellido de teatro de ella, Gentil; su padre vivía en Londres donde había formado otra familia. No descubrió las circunstancias de su nacimiento hasta 1837 con motivo de su inscripción en la Escuela Naval, lo que produjo en él un choque violento. Perdió a su madre a la edad de 16 años, sufrió la distancia del padre y se sintió amenazado tanto en su vida como en sus derechos de autor por la familia paterna.
Meryon fue marino antes que artista. Su primer proyecto de libro concernió a un largo viaje por el Pacifico (1842-1846), formándose como grabador para poder producir las imágenes que debían ilustrar la obra. El proyecto no llegó a término, y a partir de 1850 comienza, Las vistas de París. 
Meryon ignora la ciudad moderna, los bulevares y teatros, las estructuras de cristal; se concentra en el corazón de la Villa (la Île de la Cité). Pero introduce motivos extravagantes y exóticos que junto a los poemas grabados que acompañan a las planchas, evidenciam un notable delirio de interpretación. Su paranoia es la réplica a la locura de Nerval.

Charles Meryon. Le Petit Pont, plancha II 1850

Charles Meryon. Le Stryge.

Charles Meryon. La Morgue. Plancha XI 1854

Charles Meryon. Le Pont-au-Change. Plancha X 1854

                  
               Charles Meryon. Ancienne porte du Palais de Justice 1854

               Leopol Flameng. Retrato del grabador Charles Meryon. 1858

Meryon estuvo internado en el hospicio de Charenton en mayo de 1859 a agosto de 1859, y de nuevo, en octubre de 1866. Murió allí el 14 de febrero de 1868, a la edad de cuarenta y siete años.

Claude Cahun y Gérard Nerval

Fotografía: Claude Cahun. Autorretrato de 1928.

Con el cráneo rasurado aparece de frente y de perfil. Claude Cahun había elegido llevar un nombre andrógino y el apellido de su abuela paterna, al tiempo que acentuaba en sus retratos el parecido paterno; trató de extraer en la diferencia de los sexos un tercer género neutro, combinando los dos límites de su genealogía.Los autorretratos de Cahun, seudónimo de Lucy Schwob (Nantes 1894-1954) tienen una enorme fuerza.  Ayudada por su compañera Marcel Moore, seudónimo, de Suzanne Malherbe, se retrataba casi a diario en diferentes poses y atuendos, reinventando su identidad -"¿Qué quieres de mi?"- en un juego continuo de metamorfosis.

Fotografía: Frontispicio del libro de Eûgene de Mirecourt, Gérard de Nerval (París 1854), ornamentado con un grabado según daguerotipo de Adolphe Legros y manuscrito por Nerval.

Nerval desconfiaba del parecido fotográfico de la misma manera que desconfiaba del realismo en la literatura. Uno y otro debían ser alterados, enmendados, transfigurados incluso.
Cuando un joven, amante de los libros le había mostrado el ejemplar que acababa de aquirir, Nerval se lo llevó y lo delvovió al día siguiente a su propietario. Horrorizado al reconocer en su efigie los signos de la depresión, Nerval hizo varias anotaciones que pueden leerse en el frontispicio del libro:  "Cigne allemand/ feu.G_rare".  [Cisne alemán (fonéticamente en francés: signalement-fisonomía) /difunto,( también fuego). G: (fonéticamente geai-arrendajo). G_raro, fonéticamente Gérard "], aumentado con el dibujo de un pájaro en una jaula, bajo el retrato, y bajo la inscripción grabada "GÉRARD DE NERVAL", la inscripción "Yo soy el otro" precedida de un signo o un punto de interrogación y seguida de una estrella de seis brazos punteada en su centro.

Dice Théophile Gautier: “Con las primeras luces de un alba fría y gris un cuerpo había sido hallado en la calle de la Vieille-Lanterne, colgado de los barrotes de un tragaluz, ante la reja de un albañal, sobre los peldaños de una escalera donde brincaba lúgubremente un cuervo familiar que parecía graznar, como el cuervo de Edgar Poe: Never, oh, never more! Ese cuerpo era el de Gérard de Nerval, mi amigo de la niñez y del colegio, mi colaborador en La Presse y el fiel compañero de mis buenos y aún más de mis malos días, a quien tuve que ir a reconocer, incrédulo, llenos de lágrimas los ojos, sobre el pavimento viscoso de los fondos de la Morgue”.Fotografía: Gustave Doré. La Rue de la Vieille Lanterne. La Mort de Gérard Nerval

FORMAS BIOGRÁFICAS

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, presenta la exposición Formas Biográficas en el arte moderno, con el objetivo de examinar los diversos modos en que los artistas de la modernidad han encarado el complejo dilema de pensar y recrear su propia vida.

La exposición se adentra de manera profunda y sutil en aquellos artistas que a lo largo del siglo XX han utilizado diversas herramientas para narrar su propia historia. En ocasiones las obras nos hablan de una realidad histórica, en otras se adentran en el terreno de la invención, pero siempre se analiza la biografía como una construcción, concepto fundamental  en el arte de la modernidad.

La exposición incorpora pintura, escultura, instalación, fotografía, extractos de películas y un abundante material documental (publicaciones de la época, cartas y manuscritos), un conjunto de obras que generan relatos diversos; luminosos y apasionantes en unos casos, oscuros y herméticos en otros, pero siempre cargados de sentido acerca  de la trayectoria vital del artista.

El tradicional esquema de "vida y obra" del artista que ha prevalecido durante siglos, no está agotado, los artistas no han dejado de adherirse a él, sin embargo esta exposición pone de manifiesto que este modelo de relato puede abordarse desde un horizonte distinto; el trabajo biográfico se basa en documentos y el autobiográfico en la memoria personal y también en el ámbito de la ficción. 

Esta exposición cobra pleno sentido al presentarse como la materialización de una nueva tesis a debate en el mundo del arte, y permite al público disfrutar de una selección de artistas que dibujan otro siglo XX. No se la pierdan.




Fotografía: Sin título. Martin Kippenberger. 1988.

Mandela vs concertinas

Mandela,  alentaba la tolerancia y mantenía la dignidad del ser humano por encima de todo en el camino de reconciliación y de paz, sin agresividad ni violencia. 

Puedo imaginar sin dificultad, a nuestros hipócritas políticos, sujentando con una mano la lista de elogios sobre Mandela preparada para la ocasión por  la secretaria de turno, y con la otra, sostener y no enmendar la orden de instalación y mantenimiento de la valla de las concertinas en  Melilla contra el hambre y la desesperación de seres humanos desfavorecidos que intentan salvarla para buscar una vida mejor.


Si el hombre pudiera decir lo que ama,
Si el hombre pudiera levantar su amor por el cielo
Como una nube en la luz;
Si como muros que se derrumban,
Para saludar la verdad erguida en medio,
Pudiera derrumbar su cuerpo, dejando sólo la verdad de su amor,
La verdad de si mismo,
Que no se llama gloria, fortuna o ambición,
Sino amor o deseo,
Yo sería aquel que imaginaba;
Aquel que con su lengua, sus ojos y sus manos
Proclama ante los hombres la verdad ignorada,
La verdad de su amor verdadero (...)

Luis Cernuda



Fotografía: composición, Bbb. Material cortante, del que están fabricadas las vallas de Melilla.

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